Jean-Jacques Birgé

Le temps file. Pas une minute pour écrire mon blog tandis que nous enregistrons un nouvel album avec Ève Risser et Jocelyn Mienniel. Joce est venu avec ses flûtes et un synthétiseur analogique vintage, le Korg MS20. Ève a préparé le grand piano droit avec ses petits accessoires rigolos.


Mes camarades m'empruntent parfois des instruments pour répondre aux cartes que nous tirons chacun notre tour. Brian Eno et Peter Schmidt ont conçu le jeu des Oblique Strategies pour décoincer des situations embarrassantes, mais nous les utilisons comme partitions à nos improvisations.


Seize morceaux plus tard nous sommes lessivés, mais contents comme des garnements qui ont passé une journée formidable. Il me reste à écouter tout cela et mixer avant de publier ce que nous avons appelé Game Bling, décontraction ludique sur les jeux de hasard. Il est tard. Je n'ai aucune idée sur la qualité de ce que nous avons enregistré. Edward Perraud nous cueille au moment où nous avons terminé de ranger le matériel. Juste le temps de choisir la photo qui servira de pochette.

Prenons de la hauteur en retournant en 1977. Jac Berrocal organise une Nuit des Solos au Théâtre Mouffetard. Francis Gorgé, Bernard Vitet et moi avons fondé Un Drame Musical Instantané un an auparavant et nous entendons imposer le trio partout où nous jouons. À l'époque les concerts se succèdent jour après jour. Trois semaines à La Vieille Grille, trois semaines au Riverbop, une semaine à Dunois, etc. Notre manie de détourner les programmes nous donne l'idée de composer un solo à trois. Bernard fabrique un saxophone à rallonge à partir de mon alto. J'actionnerai les clefs pendant qu'il soufflera dans le bec, caché sous le manteau dont Francis nous a drapés. Pierre Bastien me rappellera souvent cette performance au cours de cette soirée où il présentera pour la première fois une de ses machines en Meccano. Jusque là il jouait essentiellement de la contrebasse, que ce soit au sein de Nu Creative Methods ou dans Opération Rhino pour lequel nous nous étions rencontrés. J'ai retrouvé récemment des photos d'Horace immortalisant nos facéties de géant soliste...

L'INA est une mine d'or pour qui veut fouiner dans les archives de la télévision. Jacques me signale une émission en direct de Jean Christophe Averty présentée par Sim Copans avec Georges Arvanitas au piano, Bob Garcia au sax ténor, Bernard Vitet à la trompette, Luigi Trussardi à la basse, réunis par le batteur Mac Kac dans la cave du Club Saint Germain sur un thème de Jay Jay Johnson. Un couple danse sur la piste. Jazz Memories du 7 novembre 1959 !


Les enregistrements avec mon camarade Bernard Vitet sont plutôt rares. Les deux Châteauvallon de 1972 et 1973 avec Le Unit, soit Michel Portal, Beb Guérin, Léon Francioli et Pierre Favre, sont évidemment mes préférés. Mais je suis ravi de découvrir une séance d'enregistrement de février 1961 dans un studio des Champs Élysées avec le quintet d'Arvanitas (cliquer ici), Bernard cette fois au bugle, François Jeanneau au ténor, Pierre Michelot à la basse et Daniel Humair à la batterie.


Bernard est passé du be-bop au free jazz avant de quitter tout cela pour fonder avec nous Un Drame Musical Instantané en 1976. D'un commun accord et à sa demande Francis et moi avons cessé de l'appeler Babar, son surnom d'une époque révolue. Seuls ses vieux camarades continuaient à l'affubler de ce sobriquet qu'il détestait. Il n'avait de cesse de perdre l'embonpoint qui le lui avait valu à s'en rendre malade. Il se serrait la ceinture comme un fou et finit par ne plus rien manger. Il n'empêche qu'il ne perdit jamais la classe, soignant son look jusqu'au bout. Voyez la bagouse !


New School du 17 août 1971. Le free jazz est sur toutes les lèvres. Le quintette du contrebassiste Beb Guérin invite le ténor Barney Wilen à jouer de l'ocarina, le pianiste François Tusques du xylophone et de la scie musicale, et le batteur Noël McGhie à frapper délicatement ses cymbales.
Bernard a encore changé d'instrument... Et de look ! Il joue là d'une trompette de poche que je ne lui connais pas, mais ce n'est pas celle de Joséphine Baker qu'il a fini par vendre à Don Cherry.

Ouverture encyclopédique

À six ans je lus le Petit Larousse illustré de la lettre A à la lettre Z. Plus tard, je dévorai le Grand Atlas Mondial du Reader's Digest, explorant chaque coin du monde par les cartes, le relief, les statistiques, les grandes découvertes ou les photographies sur papier glacé qui fermaient l'ouvrage. Aujourd'hui encore je n'irais pas me coucher sans avoir appris quelque chose de ma journée et à mon tour j'ai choisi de transmettre ce qui m'avait été légué par celles et ceux que j'ai eu la chance de rencontrer. Le blog que je tiens quotidiennement depuis sept ans en est l'une des manifestations.
Diplômé de l'Idhec, l'Institut des Hautes Études Cinématographiques devenu la FEMIS, je composais la musique de mes films. Les camarades me réclamant des partitions sonores pour les leurs, je devins sans m'en apercevoir compositeur de musique, abandonnant pour un temps la réalisation. Je ne concevrai plus alors mon rôle de compositeur que dans la confrontation aux autres arts. Le cinéma et la musique étant déjà des formes d'expression qui se pratiquent généralement à plusieurs, j'en parle souvent comme de sports collectifs, avec l’immense avantage de pouvoir y ignorer la compétition au profit du partage !
Méfiant vis à vis des spécialistes qui ne voient le monde que sous un angle unique et étroit, je me penserai désormais comme un généraliste, quitte à développer ici et là quelques spécialités, de préférence inédites, de manière à ne pas souffrir la comparaison avec les virtuoses qui travaillent huit heures par jour leur instrument...
Lors des conférences que je donne sur le rapport du son aux images, j’insiste toujours sur la nécessité de s’inspirer d’autres arts que le nôtre. Je crains par dessus tout la consanguinité et l’enfermement communautaire qui empêchent la rencontre, fruit de tous les possibles.

Un drame musical instantané

On cherchera vainement dans l’Histoire de la musique l’origine de la mienne et celle du groupe Un Drame Musical Instantané, fondé avec Francis Gorgé et Bernard Vitet en 1976, car toutes les influences y sont présentes. D’y négliger aucun style, aucun continent, aucune démarche, c’est n’en privilégier aucun, nous laissant libres d’emprunter toutes les formes dès lors qu’elles servent notre propos. Nous l’appellerons d’ailleurs « musique à propos », terme plus juste que celui d’instantané qui ne se référait qu’à l’improvisation que nous opposions à la composition préalable et pratiquions exclusivement aux débuts de notre rencontre. Dès 1980 nous commençâmes à écrire, structurant en amont notre langage, pour ne garder de la composition instantanée que l’interprétation ouverte, variations inattendues au gré de notre humeur ou des événements politiques qui nous occupent.
Je cherchais naïvement à me renouveler sans cesse et mes amis de commenter « c’est bien toi ! » à mon grand dam. Mes racines plongent naturellement dans ma formation de cinéaste, ma musique obéissant à des lois cinématographiques plus qu’aux règles du contrepoint et de l’harmonie. Le montage (entendre le montage cut et les ellipses qu’il génère, à savoir que ce que l’on coupe est plus important que ce que l’on garde !), les effets de perspective (gros plans, plans d’ensemble, etc.), le rôle des ambiances et des bruits dans la partition sonore, la narration (commune aux poèmes symphoniques), l’utilisation nécessaire de certaines musiques culturellement connotées, fondent ma méthode de composition.
Autodidacte en musique, j’inventai des moyens techniques d’arriver à mes fins en contournant mes incompétences. Lorsque cela ne suffit pas, je fais appel à des camarades capables de combler mes désirs, quitte à cosigner avec eux ou avec elles. Pendant les trente ans qu’a duré le Drame, nous nous suffisions à nous-mêmes, très complémentaires, progressant en toute indépendance. Mais à ne rien demander à personne, aucun musicien ne nous demandait plus rien. Nous étions maîtres depuis toujours de nos moyens de production puisque j’avais fondé les Disques GRRR en 1975 et possédais mon propre studio, nous avions monté un grand orchestre et étions producteurs de tous nos spectacles. Je commençai à me sentir étouffé par cette indépendance qui m’avait pourtant toujours permis de vivre de mon art. En travaillant sous mon nom propre, je me donne aujourd’hui l’occasion de multiplier les rencontres avec des artistes venus d’horizons les plus divers, y compris des musiciens !

Pour être de partout il faut être de quelque part

Lorsque je rencontre un individu, professionnellement ou dans la vie quotidienne, j’aime connaître ses spécialités. Vous remarquerez le pluriel. Qu’elles soient gastronomiques ou artistiques, je cherche leur personnalité, souvent fortement orientée par leurs origines géographiques, sociales, professionnelles, etc. Je désespère d’entendre des œuvres qui se ressemblent, sans référence à leurs terroirs. Le formatage induit par le marketing ou l’impérialisme culturel américain réduit dramatiquement le paysage musical.
Les prérogatives de classe sont aussi néfastes. J’en veux pour preuve la bataille stérile qui fit rage récemment à propos de la nomination à la Villa Médicis de deux compositeurs, l’une venue de la chanson française, l’autre du jazz. La recherche n’est pas l’apanage de la musique dite contemporaine. Au XXe siècle, à partir de l’École de Darmstadt, les compositeurs « savants », pour la plupart, se coupèrent des musiques populaires, s’enfermant dans un sérail consanguin qui ne pouvait générer que des enfants idiots. Les dernières révolutions, technologiques comme souvent dans l’Histoire des arts, proviennent du marché grand public et de sa lutherie : guitare électrique, synthétiseur, informatique domestique, etc.
D’un autre côté, la world music, par un impérialisme plus paternaliste que malveillant, perdit l’essence des sources empruntées. Le mélange ne peut être prolifique que s’il s’agit de véritables rencontres et non d’une absorption colonialiste sans comprendre les cultures invitées. Les démarches sont parfois louables, je pense aux espagnolades des impressionnistes ou aux oiseaux de Messiaen, mais peuvent paraître ridicules ou absurdes en regard des originaux.

Solidarité et persévérance

La musique était déjà un mode d’expression universel ne nécessitant aucune traduction. Elle s’importe, s’exporte, ouverte à toutes les rencontres. Jamais, dans l’Histoire des hommes, cela n’aura été aussi facile. Internet rend instantanée la communication. Les moyens de locomotion permettent de filer à l’autre bout de la planète en quelques heures. L’anglais est devenu la langue universelle (même si cela ne va pas dans le sens de ma démonstration !). Et pourtant jamais la création n’aura été aussi handicapée. La mainmise des multinationales sur l’industrie du disque, la politique réactionnaire des sociétés d’auteurs face à la circulation des œuvres, les replis communautaires, les querelles de chapelles, la frilosité des programmateurs - hormis quelques uns comme Les 38e qui proposent toujours des spectacles qui sortent de l’ordinaire - empêchent les voix originales et indépendantes de se faire entendre.
Le pire des risques est de n’en prendre aucun. Sans rencontre, le goût n’y est pas. Il faut savoir épicer son travail avec ceux des autres, donner, recevoir, partager. Qu’y a-t-il d’autre qui vaille de vivre ?

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Ce texte fait partie du livre Composer le monde qui vient de paraître autour des 22 éditions du Festival des 38e Rugissants (article d'hier). Écrit il y a trois ans, il répondait à la demande de "réfléchir aux croisements des cultures, des disciplines, des lieux..." Depuis, le festival a fusionné avec le Grenoble Jazz Festival pour devenir Les Détours de Babel. Trois créations ont marqué mon passage aux 38e : Zappeurs-Pompiers 2 en 1989, Sarajevo Suite en 1994, Sarajevo, suite et fin en 2003. L'illustration est issue de la couverture interactive de USA 1968 deux enfants, roman augmenté publié pour iPad par Les inéditeurs.

La commémoration des 22 ans du Festival des 38e Rugissants à Grenoble valait bien que l'on en attende trois pour savourer la somme des contributions faisant de l'ouvrage un outil passionnant pour comprendre la musique du monde, plus contemporaine que nulle part ailleurs car émergeant de partout à la fois. Le remarquable texte de son directeur Benoît Thiebergien place d'emblée le sujet sur le terrain politique du colonialisme et des traditions. Il révèle les paradoxes transculturels qu'une quinzaine de compositeurs, interprètes, musicologues et acteurs culturels vont développer sur 160 pages de ce livre-DVD. Coordonné par Catherine Peillon, l'ensemble présente une réflexion originale indispensable sur la création musicale contemporaine.
Alexis Nouss secoue l'objet philosophique entre nomadité et nomadisme. Bruno Messina invite à prendre le large loin des chemins balisés. Thierry Pécou revalorise le geste. Zad Moultaka analyse sa genèse hétérophonique depuis le balcon libanais de son enfance. Pierre Sauvageot assène un alphabétique coup de pied dans la fourmilière. Au travers de l'histoire des Percussions de Strasbourg Jean-Paul Bernard avertit du danger du métissage s'il consiste à unifier au lieu d'accepter l'autre tandis que Bernard Fort préfère respecter les biolimites. Carlo Rizzo souligne l'importance de la relation humaine de personne à personne, antidote à la mondialisation formatée, et Keyvan Chemirani d'insister sur la qualité du casting pour que les rencontres soient productives. Quant à Henry Fourès, Laure-Marcel Berlioz et Cécile Gilly, ils se font essentiellement les porte-voix des institutions.
Pour l'ensemble Ars Nova Benoist Baillergeau évoque la rencontre du texte et de la musique, ce que Bernard Cavanna raconte merveilleusement dans son choix de la langue populaire, quotidienne, vulgaire, loin de "l'enculage de mouches" de tant de précieux. Et Jean-Paul Dessy d'en remettre une couche en revendiquant une musique intemporaine, comme François Rossé de revenir sur l'histoire de la musique depuis le milieu du XIXe siècle pour revaloriser un primitivisme nécessaire, pulvérisant la géographie au profit d'une intemporalité et d'un pluralisme des identités biologiques. La musique dite contemporaine en prend pour son grade et je me reconnais évidemment chez ces empêcheurs de tourner rond. Je reproduirai donc demain ma contribution intitulée L'art du partage, concept dans l'air du temps puisqu'il est le thème de la prochaine Revue du Cube à laquelle je participe également !
L'ouvrage se poursuit avec quantité de petites photos et les alléchants programmes des 22 éditions avant que le festival des 38e Rugissants se transforme en Détours de Babel. Extraits et entretiens composent le film autour de sept aventures "transculturelles" : les Percussions de Strasbourg avec Adama Dramé et Jean-Pierre Drouet, Passeurs d'eau de Thierry Pécou et Yaki Kandru, Sarangî Strings Sound System de Jean-Paul Dessy et Drhuba Gosh, Zhiyin de Xu Yi, An-Nâs de Zad Moultaka, Gazing Point de Kudsi Erguner et des improvisations de François Rossé. Simple bonus, ce témoignage vidéographique ne reflète pourtant pas la dimension critique des textes du livre, ni la démarche créative de ce festival hors normes, exemplaire sous bien des angles.

P.S.: le livre paraîtra en juin sur le label l'empreinte digitale, distribution Abeille Musique à la rubrique DVD.

Dès qu'un orchestre de jazz français concocte un cocktail à bases de racines locales je tends l'oreille et mes pieds se mettent à bouger tous seuls. Même si l'interprétation n'a souvent pas la puissance des cousins d'Amérique j'ai une tendresse particulière pour les musiciens qui s'approprient les ingrédients exotiques pour les mettre à leur sauce. Les copies conformes ont le goût des boissons en boîte. D'ailleurs le piano-bar m'empêche de me concentrer ou de suivre les conversations. Fuyons les lieux où la musique envahit l'espace qui ne lui est pas consacré.
Ou bien qu'elle assume son potentiel révolutionnaire et casse la baraque ! En jazz deux carafes remplissent mon verre : les terroirs qui s'en inspirent sans tenter de le copier et les revendications des Afro-Américains dont la légitimité produit les plus belles envolées lyriques, du blues au rap en passant par le free-jazz. À une époque mes menus se composaient de Fats, Cab, Mingus, Kirk, Ayler, Shepp, Sun Ra, l'Art Ensemble et le chariot des desserts qui suivait le cortège en sifflant, sniffant, soufflant, frappant jusqu'à ce qu'on les pousse dehors en éteignant la lumière.
Au programme hexagonal je ne m'attends pas à ce que le swing donne son sens à la chose. La bourrée, la gavotte, la java ont leur charme, mais ça se danse un peu raide, et le pétard est trafiqué. La valse et le tango trouvent meilleurs jeux de jambes ailleurs que par ici. Quitte à consommer local, si l'on tient aux produits bio qui font voir la vie en rose sans les éléphants, on commandera du musette ou des danses de salon. Les traditions ont du bon quand on peut les mettre au goût du jour. Rien à voir avec le folklore, certes millésimé, mais fixé à jamais par les livres d'histoire. Gloire aux aventuriers qui tracent leur chemin à la fourchette, aux initiateurs qui rapportent des épices inédites, aux inventeurs qui font cramer les vieilles poêles !
Ces lignes m'ont été inspirées par l'écoute du nouvel album de l'Orphicube d'Alban Darche, un CD très sympa intitulé Perception instantanée (sortie chez Yolk le 31 mars). J'ai l'impression qu'on diffuse dans la pièce à côté La séquence du spectateur, une succession d'extraits cinématographiques du programme dominical de l'unique chaîne télé de mon enfance. Sauf que l'on n'entend ici que leur son, passé au travers du filtre des décennies. Paso doble, valse et reggae au menu ! L'étrange objet produit le même effet que la série britannique que je viens d'entamer, Life on Mars, enquête policière où le détective ne sait pas si par quelque mystère il est reparti quarante ans en arrière, s'il est fou ou s'il est dans le coma après un accident de la circulation. On danse d'un pied sur l'autre, épreuve que mon lumbago me permet seulement d'esquisser. Quoi qu'il en soit le ton est personnel et les parfums suffisamment variés pour qu'on y revienne.
J'en profite donc pour me servir un autre album récent paru chez Yolk, quartet Jass formé d'Alban Darche au ténor cette fois, du batteur John Hollenbeck (ils ont tous les deux composé pour l'ONJ d'Yvinek), du trombone Samuel Blaser et du contrebassiste Sébastien Boisseau. À la première bouchée ça sonnait trop jazz à mon goût, et puis laissant les morceaux fondre doucement, j'ai commencé à sentir les contradictions qui me sont chair, et les nouvelles traditions européennes ont mis leur grain de sel et, pas si sectaire, je me suis laissé aller jusqu'au prochain épisode.

L’achat de mon ARP 2600 fut déterminant. La démonstration d’un vendeur zélé de la rue de Bruxelles, près de Pigalle, me fait m’endetter, alors que je n’ai aucune attirance pour la musique en boîte qui s’échappe de ce genre d’instrument. Je déteste son côté "astiquez les cuivres" que j’ai découvert avec le Switch on Bach de Walter Carlos, devenu depuis Wendy Carlos, ou le côté plastoc du tube Pop Corn ! Je serai plus convaincu par les sonorités du groupe White Noise ou les oscillateurs des Silver Apples, mais ils n'utilisent pas de synthétiseurs à proprement dit. Jusqu'à leur arrivée sur le marché, les sons électroniques demandaient un matériel considérable.
Le truc formidable pour un autodidacte, c’est qu’il n’y avait aucune tradition de l’instrument, aucune méthode, aucun modèle. Tout restait à inventer. De plus, l’instrument possède une logique très pédagogique. J’y cours, vole et nous venge. Il faut penser le son dans toutes ses composantes en partant de zéro pour le générer. Le panneau d'affichage est très clair, avec quantité de potentiomètres linéaires et de trous où insérer les cordons qui le fait ressembler à un central téléphonique. Les trois oscillateurs, contrôlables en tension haute ou basse fréquence, traversent un filtre puis un amplificateur. On choisit une courbe, sinusoïde, triangle, carré ou impulsion en fonction du timbre recherché. Suit son traitement. Il y a deux générateurs d’enveloppe, un suiveur d’enveloppe, un modulateur en anneaux, un générateur de bruit rose ou blanc, un circuit d’échantillonnage et de maintien (sample & hold), une réverbération stéréophonique à ressort, une entrée pour une source extérieure, des inverseurs et des mélangeurs, mais le plus important c’est que l’on peut connecter n’importe quoi, dans n’importe quel sens, sans risquer d’esquinter la machine. Cet instrument marie une rigueur d’analyse et une approche totalement empirique. Lors des représentations en public, il faut à la fois jouer et préparer ce qu’on va envoyer trois minutes plus tard. L’ARP ne possède en effet aucune mémoire, même pour l’accordage des oscillos, et le protocole midi n’apparaîtra que des années plus tard. J’y fais mes gammes : rapidité des réactions dans le cadre de l’improvisation, présence d’esprit sur scène, mais également dans le contexte plus banal du quotidien ! Réagir vite en période de crise est un atout majeur.
Je me suis longtemps servi de ce synthétiseur dans mes cours sur le son pour en expliquer la structure : timbre, hauteur, durée, intensité. Regret de l’avoir vendu. J’ai pris l’habitude de me débarrasser des instruments qui n’ont pas servi depuis dix ans. J'ai fait la même bêtise avec mon orgue Farfisa Profesional. L'ARP 2600 eût été un instrument idéal pour fabriquer des familles de sons lorsque je me suis mis à composer des chartes sonores pour le multimédia. Je m'en suis séparé six mois trop tôt. J'ai failli en racheter un, puisque j'avais conservé tous les patchs, dessins de mes programmes, mais comme en amour je n'aime pas revenir en arrière. Malgré le revival des synthés analogiques j'avais déjà joué ce bon tour, autant passer à autre chose et laisser aux nouveaux musiciens le plaisir de la découverte. (Le son sur l'image, extrait, 2004)

Comme je réécoute Le Voyage d'Hiver arrangé par René Lussier la voix de Keith Kouna me rappelle diablement celle de Serge Hureau. Le directeur du Hall de la chanson a monté plusieurs spectacles, hommages décalés à des vedettes de la chanson comme Charles Aznavour, Édith Piaf ou Mireille. Dans le CD Gueules de Piaf (Rue Bleue, 1995) Hureau chante dans une tradition canaille tandis que les polyinstrumentistes Montferrat (guitares, basse, banjo, violon...), Michel Risse (percussions, piano préparé, harmonicas...) et Pierre Sauvageot (trompettes, trombone, saxhorn, piano électrique...) l'accompagnent avec des instruments parfois inhabituels tels chaîne d'acier, chaussures à clous, balai brosse ou piano-jouet... L'orchestration est résolument inventive et les arrangements toujours à propos. C'est à mon goût ce qui manque le plus à la chanson française, du culot ! Il y a longtemps que je connais cette petite bande : Sauvageot était un élève de Bernard Vitet, Michel Risse était le batteur de Bekummernis et Serge Hureau participa à l'aventure de l'exposition-spectacle Il était une fois la fête foraine...
Hureau a choisi des chansons pour la plupart peu connues de la môme Piaf, essentiellement des faces B : La ville inconnue, Un monsieur me suit dans la rue, Browning, Paris-Méditerranée, Coup de grisou, Elle fréquentait la rue Pigalle, Quand même, Les deux ménétriers, Il riait, L'hymne à l'amour, La belle histoire d'amour, Monsieur saint Pierre, Comme un moineau, Les mômes de la cloche... Chantées par un homme, elles se démarquent plus facilement de l'extraordinaire artiste dramatique à la voix inimitable. La collaboration intelligente avec des musiciens sachant saisir la liberté du jeu, avec une palette de timbres inspirée, confère à cet album une modernité décapante. L'an passé Hureau a monté un nouveau spectacle Piaf avec Olivier Hussenet et Claude Barthélémy. Ses collaborations rappellent celles de Brigitte Fontaine ou Colette Magny avec des jazzmen ou des musiciens contemporains, parmi les plus intéressantes et les plus remarquables...

Vincent Segal m'envoie un SMS avec la dédicace de Bernard Vitet sur un disque de Miles Davis appartenant à son père qu'il vient de retrouver. Vers 1954 Alain avait seize ans lorsqu'il assiste à un concert de Bernard avec Art Taylor à la batterie, Art Taylor qui a joué avec Miles. C'est probablement le quintet du pianiste Jack Diéval avec le bassiste Jacques Hess et le saxophoniste François Jeanneau. Comme il trouve que notre trompettiste a le son de Miles le jeune Alain Segal lui demande un autographe.
En 1983 Vincent a seize ans à son tour lorsqu'il assiste à un concert d'Un Drame Musical Instantané qui participera à son émancipation du classique. Père et fils auront donc croisé chacun à seize ans la route de Bernard qui leur aura laissé à tous deux un souvenir indélébile. La signature de Bernard est restée la même, mais il passera du bop au free, et du free au Drame. Dommage qu'il ne soit plus là pour l'entendre cette belle histoire !

En écrivant le billet Vinyle ou CD pour quelle musique ? la semaine dernière je ne pensais pas déclencher autant de commentaires polémiques sur Médiapart où ce blog est publié en miroir.
Mon propos était pourtant de désamorcer les jugements à l'emporte-pièce, quelles que soient les certitudes de chacun, en suggérant que, pour les auditeurs, à chaque support correspond une pratique, de la même manière que, pour un artiste, à chaque support correspond une œuvre, et réciproquement...
J'écoute des vinyles, des CD, des mp3 et autres fichiers compressés de plus ou moins bonne qualité, des séquences YouTube ou leurs équivalents, voire des bandes magnétiques, des cassettes, des DAT, des 78 tours, comme j'écoute diverses stations radio et que j'assiste à des concerts et autres spectacles !
Tout dépend des conditions, que je sois chez moi concentré sur ce que j'écoute ou en train de faire la vaisselle, que je compose dans mon studio ou si je conduis, ou encore lorsque je m'endors, etc.
Avantages et inconvénients résident dans chaque pratique. Certains penseront que le débat est absurde et que seule la musique vivante mérite le déplacement, mais alors il faudra là aussi évoquer les conditions d'écoute. Combien sont indisposés par le niveau sonore insupportable de certains concerts ? Les puristes ne comprendront pas que l'on n'interprète pas les œuvres classiques sur les instruments d'époque. Les musicologues se moqueront des audiophiles qui font écouter leur luxueux et onéreux matériel et se fichent de ce qu'ils y diffusent. D'autres ne supporteront pas le format mp3 qui supprime les "détails sans importance", détails qui restituent pourtant le plus fidèlement la vie. Et je ne parle pas de la musique dans les lieux publics, les restaurants, les magasins de vêtements, les ascenseurs, ou le sirop qui envahit les films... Etc.
L'important est d'avoir conscience de ce que nous écoutons, comment nous en profitons ou le subissons, en connaissance de cause. Comme toutes les autres formes d'expression artistique, la musique réfléchit le monde, enjeux économiques et révoltes créatrices, soupapes de sécurité et formatage des cerveaux, libération des pulsions et partage du plaisir d'être ensemble... Nous pourrions aussi étendre la question à tout ce qui passe par le canal auditif, pas seulement la musique !

La terrible nouvelle nous assaille, rappelant la fragilité de nos existences. Il suffit qu'un fil casse pour que notre toile se replie à jamais sur nous-même comme un linceul qui nous colle à la peau, barque de fortune flottant sur le Styx, bulle de savon s'évaporant dans les nuages ou poignée de terre rejoignant le magma. Quelque soit le chemin chacun y trouve son élément. Il suffit d'un quart de seconde pour refaire le trajet à l'envers et le papillon redevient cocon. Certains départs sont trop précipités. Jean Morières n'aurait rien vu venir. Il savait respirer le bon air de la campagne, pratiquait la méditation avec la même discipline qu'il travaillait sa flûte zavrila, il aimait rire et chanter. Mardi après-midi le coup l'a frappé en haut d'une petite colline comme il se promenait dans la garrigue. Tout s'est arrêté sans prévenir. À Pascale, à Mathilde, Antoine et Fani, il laisse une foule d'images, de sons, de paroles, de gestes, de sentiments où son esprit critique se vêt d'humour et de tendresse. Mais ce soir, plutôt qu'à sa flûte apaisée et rêvée je choisis de le réentendre endosser l'enveloppe de son double mordant, le caustique Eddy Bitoire, pseudonyme non dupe de ce que nous réserve l'avenir. À plus tard.

Nombreux jeunes et moins jeunes audiophiles redonnent au vinyle une seconde chance en encensant ses qualités dynamiques. Au vu des stocks du label GRRR cet enthousiasme m'enchante, mais je crains de devoir rajouter un bémol à la clef. S'il est certain que la campagne qui a accompagné l'avènement du CD fut somptueusement mensongère, tout n'est pas aussi rose que ce revival aimerait le laisser croire.
Revenons vingt ans en arrière. On nous vendit le numérique pour son support inaltérable : c'est évidemment faux, un vinyle craque alors que la moindre rayure envoie le CD à la poubelle, et contrairement à la galette en plastique argenté le vinyle résiste au temps si l'on n'y touche pas. Par contre il est évident qu'un vinyle s'use plus vite et les scratches se multiplient si l'on a un tourne-disques basique. Comparons les écoutes. On nous vendait les qualités dynamiques du CD : c'est sujet à caution, les tests montrent que selon les musiques un support peut fonctionner mieux qu'un autre, ce qui peut contrarier les puristes revenus au disque noir. Il est un domaine où celui-ci l'emporte, l'emballage : jamais le petit format de 12 cm n'égalera une pochette de 30x30 cm, les graphistes en savent quelque chose. De plus la manie d'écrire les textes des livrets en minuscules (lorsque ce n'est pas en jaune sur fond blanc !) n'arrange pas ni les myopes ni les presbytes. Ces comparaisons font pourtant fi d'un certain nombre de paramètres que seul l'usage permet de préciser. Par exemple, un auditeur lambda a une écoute attentive limitée dans le temps. Vingt minutes était une durée parfaite et le silence qu'imposait le retournement du disque lui profitait. Pour les œuvres longues tels opéras et symphonies l'exercice était malgré tout fastidieux. Si l'on constate que les avantages et les inconvénients sont différents selon les cas, il convient de comparer des pressages récents et anciens pour se faire une idée juste de ce revival vinylique.
Mieux, rappelons-nous l'émotion partagée lorsque nous allions graver le master d'un nouvel album. Orsini travaillait en orfèvre, nous expliquant la moindre correction qui améliorait l'enregistrement original. Il fallait le voir la loupe rivée à l'œil pour scruter le sillon. Lorsque les exemplaires pressés étaient livrés nous avions toujours une bonne surprise, l'objet sonnant toujours mieux que la bande magnétique. Ce bonus qualitatif ne se présente plus qu'au master si l'on travaille dans un studio luxueusement équipé de compresseurs à lampes et autres machines qui valent une fortune. Oubliez les masterings sur ProTools qui ne leur arrivent pas à la cheville ! Ce n'est pas seulement une question d'oreille, mais aussi de matériel. Aujourd'hui aucun musicien n'assiste plus à la gravure ni au pressage, souvent réalisés dans un pays de l'est. Pas plus qu'il ne va à la mise en machine de sa pochette à l'imprimerie. Conclusion : les impressions sont fades, les noirs sont bouchés, les contrastes et les couleurs écrabouillés. Pour les rééditions il faudrait également partir de la bande master analogique (si elle a été conservée correctement, sans variation de température, rembobinée sur la fin pour éviter le pré-écho) et non presser le vinyle d'après une copie numérique ! Mes tests comparatifs ne vont certainement pas dans le sens fantasmé par les vinylophiles... Et pendant ce temps mon camarade Vincent Segal écoute des 78 tours sur une platine classieuse, jugeant avec raison qu'en matière de dynamique ses bakélites sonnent cent fois mieux que la matière plastique !
Je termine avec les derniers vinyles que l'ont m'a offerts et que je regarde tourner avec leur macaron central qui donne le tournis. Watt est un quatuor de clarinettes et clarinettes basses composé de Julien Pontvianne, Jean Dousteyssier, Antonin-Tri Hoang et Jean-Brice Godet qui interprètent une musique de drône fortement inspirée par La Monte Young ; sons continus de la sinusoïde presque pure au sang impur qu'abreuve notre sillon, machine soufflante à simple effet en produisant de variés selon la perception de chacun.
DDD envisage de vendre en bundle les vieux albums du Drame accompagnés de remix de DJ américain, anglais et allemand comme le label parisien a commencé de le faire avec Luc Marianni, la curiosité rivalise avec l'impatience !
The Din of Eon est le second LP de Transistor, duo de Franck Vigroux et Ben Miller, très proche de Scott Walker dernière période y compris la pochette de Philippe Malone qui rappelle l'ambiance de l'usine dans le film Pola X, les synthés analogiques du Lozérien se mêlant à la voix envoûtante de l'Américain en sombres évocations noir et blanc de la veine du Portugais Bernardo Devlin.
Chez tous, les craquements sont bien présents dès la troisième écoute, mais on se fiche du support, seule importe la musique... Excusez-moi, ce n'est pas comme un flux mp3, il faut que je me lève pour tourner le disque !

Il avait suffi que l'on réunisse seize musiciens et musiciennes, il y avait six filles dans l'orchestre, pour que l'on nous écoute enfin. Le succès fut immense, transformant notre statut professionnel. Jusque là le trio d'Un drame musical instantané jouait beaucoup, mais ne convainquait que quelques copains et journalistes. Je suis injuste, mais c'est ainsi que nous le vivions. Ce vendredi 13 de l'année 1981 le Théâtre Berthelot à Montreuil était bondé. Nous manquions cruellement de répétitions parce que nous refusions d'exploiter les camarades musiciens comme le faisaient les autres big bands. Il fallait donc écrire simple ou du moins l'espérer. Je m'étais refusé jusqu'ici à faire entendre cet à-peu-près qui nous faisait souffrir. Les archives révèlent néanmoins des qualités que j'avais oubliées, n'ayant rien réécouté depuis lors.

De cette création nous n'avions publié que La Preuve par le Grand Huit dans l'album À travail égal salaire égal, une pièce écrite par Francis Gorgé, précision qui aujourd'hui prend son sens alors que nous signions systématiquement collectivement tout ce que nous composions. Nous savions bien que le succès peut advenir du moindre détail et nous intervenions tous partout plus ou moins. De plus cela évitait les tractations fastidieuses de pourcentages litigieux. Nous n'avions pas envie de finir prématurément comme le Unit. Lorsqu'il n'y a pas de question d'argent les (mauvaises) raisons de s'engueuler sont réduites à néant. Nos inévitables conflits faisaient sens, nous pouvons en être fiers ! Bernard Vitet avait, à mon goût, l'écriture la plus équilibrée et la plus expérimentale, sérialisme et variétés aidant. Il avait un talent fou pour sortir des mélodies inoubliables. Francis était plus influencé par la musique classique, en particulier par les Français du XIXe et du XXe siècle. Dans La lettre l'influence de Poulenc est évidente. Bernard ne terminant jamais une pièce il était plus facile de composer avec lui ! J'écrivais tous les textes et les parties les plus aléatoires ou les plus spontanées, m'appuyant sur les personnalités plutôt que sur leur instrumentation, mes modèles étaient Varèse et Ives. Lorsque nous composions pour orchestre, j'étais forcément le moins déçu de nous trois, mais j'ai déchanté lorsque j'ai tenté d'étendre l'improvisation collective à un grand ensemble. Pour cette soirée j'avais caché un micro à l'accueil qui renvoyait les conversations du public dans la salle où s'installaient celles et ceux qui étaient déjà rentrés. Francis était le véritable chef d'orchestre de la bande. J'en étais le directeur et l'organisateur. Bernard se fondait à l'ensemble, prodiguant ses conseils de l'intérieur !

À cette époque la norme midi et la musique assistée par ordinateur n'existaient pas, aucun moyen de tester les partitions avant les répétitions ! On découvrait nos maladresses sur le terrain. À côté des trois mouvements du Grand Jeu dont j'avais composé Le malheur en hommage à Gustav, du Concerto de l'ordre dont nous avions confié les parties à divers membres de l'orchestre, de La lettre (pour mezzo-soprano, violon et orchestre), il y avait Les trois singes qui deviendront plus tard Révolutions, future Face B de l'album Les bons contes font les bons amis. Nous avions également adapté Crimes parfaits (la version électroacoustique initiale est présente sur le CD Machiavel) pour trois petits orchestres, remplaçant le coup de théâtre de la coda enregistré en reportage par un subterfuge qui fit craquer plusieurs spectateurs : Bernard sortit d'une valise un pistolet-mitrailleur et tira une salve vers la salle plongée dans le noir avec des balles à blanc. Il ne rêvait alors que plaies et bosses. Au dernier moment il avait décidé de diriger cette pièce avec des gants blancs, mais à la première tourne de la partition il ne put s'en saisir et toutes les pages s'envolèrent ; je dus les ramasser à quatre pattes pour les lui tendre dans l'ordre. De mon côté je fus pris d'un trac terrible au moment d'une partie soliste au piano et jurai que cela ne se reproduirait jamais. Le vibraphoniste Jacques Marugg me conseilla de prendre du Gelsemium et dès lors mes camarades apprécièrent mon aplomb à la moindre anicroche. Je n'en ai plus besoin, mais ces granules homéopathiques firent leur preuve pendant de nombreuses années !

Pour avoir exhumé 51 minutes d'archives scrupuleusement enfouies, et pour cause, j'ai appelé cet étonnant album Laissés pour compte. Ces pièces écartées complètent astucieusement les trois vinyles du Drame pour grand orchestre dont L'homme à la caméra marqua l'apothéose. La perversion administrative qu'imposaient les subventions de la Direction de la Musique alliée à la direction de cette colonie de vacances me poussèrent à dissoudre cet ensemble où régnait pourtant une joyeuse ambiance. Nous avons eu la chance de composer ensuite des œuvres pour des ensembles plus importants, orchestres d'harmonie, symphoniques ou contemporains, mais aujourd'hui l'évolution technologique me permet d'improviser un orchestre complet au bout des doigts, ce qu'aucun ensemble ne m'offrira jamais. Or le plaisir de la composition instantanée, entendre la réduction maximale du temps entre la composition et l'interprétation, reste pour moi un plaisir inégalé. Cela demande évidemment une préparation minutieuse, d'un côté des connaissances encyclopédiques et de l'autre une anticipation des possibles qui fassent la meilleure place à l'impossible.

Nos pas de petits cosmonautes luttaient depuis des heures contre les ondulations de chaleur qui nous ramenaient sans cesse vers la terre. Au détour du jardin un énorme tuyau crénelé gonflait le vaisseau où se reposaient une vingtaine de pionniers arrivés d'une planète située par delà l'océan. Ils accueillirent les deux enfants comme si nous étions sortis du livre de Saint-Exupéry, nous racontant des histoires de moutons sauvages ensorcelés par Agnes Moorehead. C'était le prénom de ma sœur. À cette heure de la sieste le ventre de la baleine ressemblait à une arrière cuisine où les uns taillaient leurs anches tandis que les autres rêvaient de mondes où le blues avait la liberté du rêve. Une salve de cuivres sonna le réveil de l'orchestre qui s'ébroua avant qu'apparaisse le Maître. Les costumes brillaient dans la lumière artificielle. Nimrod était notre guide. Alan avait troqué sa basse pour un violon. Pat et John avaient pris les devants. Ils jouèrent pour nous seuls, Philippe Gras prenait des photos (moi aussi !), Yasmina, a black woman (the only one !), avait pris Agnès sous sous aile. Un vent de fraîcheur soufflait des étoiles. Nos routes se croisèrent chaque fois que le soleil d'Égypte faisait son apparition. Un jour enfin, mes avances protocolaires me permettant d'approcher le Maître, je lui posai les questions de ma jeunesse. Ses réponses avaient la forme de nuages interstellaires, de petits jets de vapeur joués à l'envers sans regarder le clavier. Je ne suis pas certain d'avoir compris grand chose, mais j'aurai un jour le même Farfisa. Ses ritournelles me transporteraient depuis ce 3 août 1970 à la Fondation Maeght où nous avions atterri par hasard jusqu'à mon dernier soupir.
Cette semaine j'ai croisé un nouveau vaisseau, galette noire constellée de signes à décrypter sur ma platine. Le disque file à une vitesse Supersonic, sans que l'on sente le temps passer ni le temps passé. La musique de Sun Ra est intemporelle. L'équipage rassemblé par Thomas de Pourquery l'interprète fidèlement en se l'appropriant, captation d'héritage légitime où les chœurs battent le cosmos comme si coulait dans leurs veines un fluide brillant et vital. Peut-être sommes-nous en face d'un pli du temps ? Combien sont-ils ? Arnaud Roulin contrôle les touches noires et blanches, Frederick Galiay et Edward Perraud entretiennent la pulsation, Fabrice Martinez actionne les pistons, Laurent Bardainne et Thomas de Pourquery soufflent leurs fusées à réaction, et tous, d'une seule voix, de reprendre les incantations qui nous font décoller. L'hommage est merveilleux, la liberté du jazz intacte, l'essai transformé, la balle est dans votre camp, commandez Supersonic, ça fait du bien ! (Quark, L'autre disribution)

Depuis quelque temps je me réveille plusieurs fois par nuit, d'abord trois heures après m'être endormi, puis une heure plus tard, enfin chaque heure qui suit si j'arrive à rester au lit. La semaine dernière, après la lecture assidue du livre Rock, Pop, un itinéraire bis en 140 albums essentiels de Philippe Robert (Ed. Le Mot et le Reste), j'ai placé sur la platine en automatique quatre des premiers albums de Harry Nilsson dont j'ignorais jusqu'à l'existence. Si j'ai glissé illico dans les bras de Morphée comme d'habitude, je me suis laissé bercer pour ne me réveiller que le lendemain matin.
Comment ai-je pu passer à côté de ce chanteur auteur-compositeur que les Beatles adulaient ? Le cousinage est évident tant dans les mélodies que dans les orchestrations dont George Martin était friand, cousines de celles de Van Dyke Parks. Il collabora d'ailleurs avec les quatre Beatles, en particulier John Lennon et Ringo Starr dont il fut très proche, ainsi qu'avec Parks, comme avec Randy Newman, Nick Hopkins, Klaus Voormann, Bobby Keys, Peter Frampton, Chris Spedding, Paul Buckmaster, Keith Moon, Jim Keltner, Leon Russell, Lowell George et tant d'autres. Phil Spector et Brian Wilson en avaient fait également leur chanteur préféré. Sa voix couvrait trois octaves. J'ai fini par reconnaître quantité de morceaux repris par d'autres ou entendus dans les films Skidoo, Head, Midnight Cowboy, Popeye, Me Myself and I, Reservoir Dogs, Forrest Gump, Casino, The Ice Storm, High Fidelity, Punch-Drunk Love, etc. Les afficionados connaissent One (1968), Everybody's Talkin' (1969), Without You (1971) ou Coconut (1972), mais plus que par ces tubes je suis fasciné par l'invention et la cohérence des albums Pandemonium Shadow Show (1967) et Aerial Ballet (1968) qui ne déparent pas Pet Sounds, Sergent Pepper's ou Their Satanic Majesties Request. À se demander sérieusement s'il n'influença pas en retour les uns et les autres ! Dévasté par la mort de Lennon, comme lui issu de la classe ouvrière, il milita contre les armes à feu. Les paroles de ses chansons pouvaient être graves, drôles ou sarcastiques sous une apparence désuète avec des passages off qui rappellent que l'on est en studio, distance brechtienne très années 60. Je suis passé à l'intégrale, un coffret de 17 CD paru récemment chez RCA. Tous ses albums recèlent des pépites, même si la musique se banalise au fil du temps, constante qui a touché presque tous les artistes de cette époque exceptionnelle. En 2010 John Scheinfeld réalisa un biopic typique du genre, Who Is Harry Nilsson (And Why Is Everybody Talkin' About Him?), où l'on apprend son manque de confiance en lui et qu'il évita les concerts toute sa vie. Grand buveur, Nilsson mourut le 15 janvier 1994 d'une attaque cardiaque, c'était il y a vingt ans.

Depuis Le trésor de la langue, son chef d'œuvre de 1989, je suis avec le plus grand intérêt les activités du Québéquois René Lussier, compagnon de Fred Frith, en particulier dans le célèbre film Step Across The Border. Lussier est le réalisateur du dernier album de Keith Kouna, Le voyage d'hiver d'après Franz Schubert. Ce Winterreise avait déjà inspiré avec bonheur Hans Zender et l'Ensemble Modern en 1993.
Dans un genre radicalement différent les arrangements de Lussier et du pianiste Vincent Gagnon révisent Schubert en proposant une orchestration moderne où l'on est surpris de découvrir l'influence du compositeur autrichien sur des contemporains comme Kurt Weill ou Danny Elfman ! Utilisant un vocabulaire populaire (le texte est le grand gagnant de l'entreprise) Kouna a adapté en français actuel les poèmes de Wilhelm Müller qui inspirèrent les 24 lieder pour piano et voix composés par Franz Schubert un an avant sa mort en 1827. Sa voix rapeuse rappelle étonnamment celle de Serge Hureau ou Marianne Faithfull. Le premier a su réhabiliter les faces B des plus grands chanteurs de variétés en les affublant d'orchestrations inhabituelles, la seconde a donné une nouvelle jeunesse à maints standards en leur rendant leur fragilité ou leur rage. Il aura donc fallu quatre ans de travail pour accoucher de cette incroyable adaptation pour chanteur punk-rock et quinze musiciens qui montre ce que les musiques actuelles doivent au passé. Comme le clamait Bertolt Brecht, il n'existe ni forme ancienne ni forme nouvelle, mais seulement la forme appropriée.
Ambiances Ambiguës propose une version numérique téléchargeable et une version physique en édition limitée, agrémentée d'un livre de 64 pages avec 24 aquarelles et encres sur papier 12x12 de Marie-Pascale Hardy.

De temps en temps je passe au magasin de disques Le Souffle Continu où Théo et Bernard m'orientent vers les nouveautés qui pourraient me plaire. Si j'ai apprécié la planante Schulze-Schickert Session de 1975, les électroacoustiques Couleurs de la nuit de François Bayle de 1982 et le récent Nurse With Wound intitulé Chromanatron, c'est une quatrième antiquité qui m'a le plus réjoui.

Mobilisation Générale est une compilation de protest-jazz réunissant d'excellents morceaux enregistrés entre 1970 et 1976, pour la plupart méconnus. L'ensemble rappelle la musique que jouait l'Art Ensemble of Chicago sur l'incontournable Comme à la radio de Brigitte Fontaine, d'ailleurs ici présente avec Areski sur la seule chanson que je connaissais déjà, C'est normal. Les rythmiques présentent les prémisses de l'Afro-Beat, le free jazz tient du rituel et sonne profondément lyrique. Quant aux paroles elles évoquent une époque radicale où la jeunesse ruait dans les brancards et se retrouvait dans des projets militants laissant espérer des lendemains qui chantent. La réaction a tout fait pour leur donner tort et les faire rentrer dans le rang. La résurrection de ces pépites pourrait donner des idées à la jeunesse actuelle, qu'elle soit trop gâtée ou désespérément démunie. Dans les temps qui s'annoncent, tant iniques que cyniques, la révolte va nécessiter de s'organiser. Pour se construire elle aura besoin de modèles qui lui ont tant fait défaut dans les dernières décennies, libre à elle de ne pas les suivre, ce serait même recommandé pour ne pas reproduire les mêmes erreurs. Car c'est aussi dans l'analyse du passé que peut se construire le futur. Ensuite tout reste à inventer !


La suite concerne les maniaques comme moi qui lisent les notes de pochette.

Faille majeure, le livret vite torché de l'album conçu et réalisé par Julien Digger's Digest & Jb Born Bad Records ne donne pas le nom des musiciens ou rarement. J'ai donc cherché, parfois sans succès, qui étaient les participants à ces formidables instants.
Ainsi pour Je suis un sauvage chanté par Alfred Panou l'Art Ensemble était bien composé de Lester Bowie, Joseph Jarman, Roscoe Mitchell et Malachi Favors.
Attention l'armée est joué par le Collectif Le Temps des Cerises en 1969 avec entre autres Carlos Andreu (vc), Jean-Jacques Avenel (bs), Philippe Castellin (textes), Antoine Cuvelier, Kirjuhel (gt), Denis Levaillant (perc), Robert Lucien, Jacques Mahieux (dms), Jean Méreu (tpt), Guy Oulchen, Super P4, Gérard Tamestit (v), Jean-Pierre Turola, Christian Ville (perc) tandis qu'Atarpop ne serait que l'équipe de graphistes (j'ai d'ailleurs trouvé la Face B sur YouTube, Le moral nécessaire).
Le livret précise tout de même que sur De l'Orient à l'Orion NK Nagati est accompagné du pianiste Siegfried Kessler, mais qui sont les autres ?
Je compte sur mes lecteurs pour compléter les absences et corriger les erreurs. Frédéric Rufin & Raphaël Lecompte interprètent Les éléphants.
J'aurais dû appeler François Tusques pour vérifier qu'en 1973 sur Nous allons vous conter... le Collectif du Temps des Cerises était bien composé de Carlos Andreu (vc), Denis Levaillant (perc), Claude Marre (tuba), Michel Marre (sax, cornet), et peut-être Poc (tb), Manu et Pierre Ferlier, Méreu, Tamestit, Oulchen, Alain Hako, Alain Bruhl, Joël Grasset, Trnaia Munera, Marie Iracane, Jean-Claude Guillet, Boussaba...
Si Nous ouvrirons les casernes est de Mahjun, Daniel Happel (gt) et Jean-Pierre Arnoux (dms) accompagnent-ils Jean-Louis Lefebvre (v, fl, gt, vc) ?
Quant au Full Moon Ensemble dirigé par Claude Delcloo (qui ne fut certainement pas un batteur génial contrairement à ce que raconte le livret, mais c'est lui qui avait les affaires !) il serait composé du guitariste Joseph Déjean qui a composé cette Samba Miaou sur des paroles de Bob Kaufman, Ron Miller (bs), Martine Tourreil (el p), Jef Sicard (fl, a t sax, bs cl), Gérard Coppéré (s t sax, fl) et Sarah (vc, perc).
On peut tout de même lire que le Baroque Jazz Trio était composé du batteur Philippe Combelle, du violoncelliste Jean-Charles Capon et du claveciniste-pianiste Georges Rabol, et que sur Le cri le flûtiste Michel Roques fait équipe avec Capon et le comédien Bachir Touré.
Si Nicole Aubiat chante Hey ! avec la troupe du Chêne Noir de Gérard Gelas qui sont les autres ?
Et qui est avec Béatrice Arnac sur Athéé ou A Té composé par Claude Cagnasso ?
Ces notes de pochette ni faites ni à faire sont frustrantes. Dommage qu'elles ne soient pas à la hauteur de la musique !

Qu'espérer de mieux après la disparition d'un grand artiste qu'il inspire les vivants? Sur la couverture du Journal des Allumés du Jazz l'illustrateur Thierry Alba a croqué Bernard Vitet un chat sur l'épaule tandis qu'un orchestre de matous l'accompagne avec mélodica à pavillon, shalmaï (bouquet de trompes) et bugle en valise. Rien d'autre le concernant à l'intérieur que la recommandation de notre CD Carton parmi d'autres alléchants albums se rapportant aux articles de ce n°32... Le trompettiste influença des générations de musiciens, il inventa quantité d'instruments originaux ou de manières de dévoyer les usages, fabriqua un système d'étoiles modales à transpositions limitées, réfléchit l'univers en contemplant une simple boîte d'allumettes (sic) et composa des mélodies merveilleuses qu'il harmonisait à l'ancienne devant son piano avec papier, gomme et crayon. Dans les années 1990 il m'arrivait de rentrer les notes sous sa dictée pour ensuite les orchestrer avec des machines toujours plus performantes. Elles le fascinaient tant que je me battais aussi pour engager de véritables instrumentistes dont il se méfiait. S'il adorait les chats il ne toucha jamais une souris. Trente-sept ans de compagnonnage quasi quotidien, c'est plus de temps que je n'ai passé avec personne. Les trois dernières furent douloureuses. Pas un jour sans penser à lui.

La phrase écrite en une n'est pas son meilleur aphorisme (ils auraient pu m'appeler, je les collectionne). Heureusement, en tournant les 28 grandes pages mises ensemble par Valérie Crinière, vous découvrirez les Roms et la vocation de Patrick Williams, les évocations du guitariste auteur-compositeur Marcel Kanche, le Cours du Temps de la contrebassiste Hélène Labarrière, les pensées du guitariste Olivier Benoît, la rencontre de Bruno Tocanne avec Yves Dorison et des collégiens de Lyon, les poèmes de Billy Collins et Yusef Komunyakaa, les colères de Pablo Cueco sur la Fnac et celles de Dexter Sacco (reconnaissable sous son pseudo libertaire sur la détérioration de l'écoute, les considérations du disquaire de Poitiers, Les Mondes du Disque, les comparaisons de Jean-Louis Wiart entre la peintre Fabienne Verdier et la maladie de Keith Jarrett, la nouvelle kafkaïenne d'Étienne Brunet, les photos de Guy Le Querrec, Sergine Laloux, François Corneloup, Jeff Humbert, Olivier Longuet et Cécile Salle (ci-dessus), les illustrations de Stéphane Cattaneo, Efix, Faujour, Nathalie Ferlut, Sylvie Fontaine, James, Julien Mariolle, Boris Mirroir, Ouin, Pic, Jeanne Puchol, Gabriel Rebufello, Rocco, Andy Singer et Zou... J'en oublie forcément.

Pour la musique on pourra choisir entre l'une des quatre webradios du site, et si cela ne vous suffisait pas Brunet a mis tous ses disques en écoute gratuite sur son site comme celui du Drame offre 50 albums inédits, une radio aléatoire de 104 heures, 720 pièces sur 45 ans d'archives et 11 nouveaux albums mis en ligne cette année ! Et la presse spécialisée continuant d'ignorer le travail des artistes qui ont choisi la Toile pour s'exprimer librement et partageant leurs œuvres avec le plus grand nombre...

Bernard Vitet aurait adoré rencontrer Nicolas Bras. Ils partagent le même point de vue sur les matériaux utilisables pour fabriquer des instruments de musique et ne rechignent pas à travailler la matière plastique ou à recycler toutes sortes d'objets. Là où Vitet inventait un caddie-vielle à roue qu'il fallait évidemment pousser pour l'actionner, Bras construit des koras avec des cageots ou un clavier de steel-drums avec des boîtes de conserve et des tiges filetées. Et ça sonne ! L'un et l'autre électrifient sans vergogne une contrebasse à tension variable, le célèbre frein Vitet, ou toutes sortes de lyres et de harpes. Mais les tuyaux en PVC leur offrent plus de possibilités qu'aucun autre accessoire plombier...


Nicolas Bras en sort des percussions, des trompes, des flûtes, etc. Et ses flûtes sont simples. Et ses flûtes sont multiples. Il leur colle des rallonges, des bourdons, ajoute des embouchures, des aiguillages... Les accords se superposent. Les mélodies enchantent. J'ai rapporté de son atelier une flûte grave que la longueur d'1,80m l'a obligé à nouer en un enchevêtrement de tuyau coudé ressemblant à une grosse balle de water-polo. Quant à la petite flûte harmonique, elle sonne presqu'aussi bien que la longue transparente en plexiglas que Bernard m'avait construite et que j'utilise depuis trente ans. Nicolas m'a promis pour janvier une clarinette alto à rallonge et bourdon dont l'anche est faite d'un sac en plastique ou d'un gant en latex. Je n'ai jamais entendu aucun instrument à vent avec cette sonorité. Je piétine d'impatience en soufflant gaiement dans mes deux nouveaux jouets. C'est Noël !

Samedi dernier l'Orchestre National de Jazz réuni par Daniel Yvinec donnait le dernier concert de son quinquennat à la Ferme du Buisson à Noisiel. Un nouvel ONJ dirigé par Olivier Benoit prendra bientôt le relais. Précédé par trois pièces composées par John Hollenbeck pour Shut Up and Dance, le programme fut particulièrement festif avec des musiciens enjoués sur le thème de The Party, leur nouvel album conçu par Yvinec en collaboration avec le multi-instrumentiste, producteur et arrangeur new-yorkais Michael Leonhart.


Le nouveau répertoire (mais très éphémère au regard du planning) est résolument pop et funky, clin d'œil nostalgique aux années 70 et 80, les synthétiseurs grignotant doucement le terrain pour se fondre à l'orchestre. Le flûtiste Joce Mienniel se partage avec son MS80 analogique, le saxophoniste Matthieu Metzger souffle dans sa vocodeuse SysTalk Box, le saxophoniste-clarinettiste Antonin-Tri Hoang pianote sur son Roland SH101, la pianiste (bien préparée) Ève Risser s'est offert un clavecin électrique Baldwin et Vincent Lafont perpétue naturellement ses virtuosités claviéristes. Ajoutez un power trio formé de Pierre Perchaud à la guitare, Sylvain Daniel à la basse et Yoann Serra à la batterie, plus le ténor véloce de Rémi Dumoulin et la trompette avec ou sans coulisse de Sylvain Bardiau qui se fendra même d'un chorus humoristique à la seule embouchure, et l'orchestre est au complet ! Sur l'album, Leonhart joue, entre autres, de la trompette, et Yvinec y participe physiquement plus que de coutume, complice de son alter ego américain.


On ne coupera heureusement pas à la musique éponyme de Mancini pour le film The Party, et hormis nombre de pièces originales "à la manière de", on a droit à des versions punchy de Requiem pour un con de Gainsbourg et Colombier, Everybody's Got To Learn Sometime de James Warren, Je m'appelle Géraldine de Jean-Claude Vannier, Once In A Lifetime des Talking Heads, Rainy Day / Strawberry Letter de Shuggie Otis. Samedi, rappel de circonstance en clôture, le solo sur un fil de Hoang au sax alto pour la valse des 400 coups composée par Jean Constantin fut particulièrement émouvant. Et Rémy Kolpa Kopoul de sonoriser l'after comme ça lui chante à son tour, alors que les musiciens de l'orchestre se séparent, en route pour de nouvelles aventures... Daniel Yvinec et son orchestre improbable de jeunes virtuoses aux talents protéiformes auront apporté leur pierre à l'édifice en ouvrant le jazz à l'influence de toutes les autres musiques actuelles, pop, rock, électro, tango, contemporain, et même jazz. Alors peu importe le flacon pourvu qu'on ait l'ivresse !