70 Musique - Jean-Jacques Birgé

Jean-Jacques Birgé

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lundi 22 avril 2024

La boîte à musique programmable

Par Jean-Jacques Birgé, lundi 22 avril 2024 à 03:23 :: Musique


Avec le temps le plastique s'effrite. Rien qu'à le frôler le cylindre crénelé est parti en morceaux. Panique à bord. Deux mille cinq cents personnes assis dans la nuit sur les gradins du Théâtre Antique et un silence mortel au moment où j'aurais tourné la manivelle ? Ma boîte à musique programmable [faisait] partie de l'instrumentation du Prix Découverte des Rencontres d'Arles [...]. Antonin-Tri Hoang aurait su rattraper le coup avec son alto ou sa clarinette basse, mais les moustiques camarguais de fondre sur moi, alléchés par mes sueurs froides. L'horreur ! Vingt-cinq ans de bons et loyaux services pour finir par se désagréger à peine on l'effleure. Heureusement Lutèce Créations commercialise l'objet que j'avais acheté dans une boutique du Palais Royal. Miracle d'Internet, de la carte bleue et de la Poste, en arrive une toute neuve. Comme les vis sont au même endroit il n'y a qu'à la fixer sur la boîte à cigares servant de résonateur et le tour est joué. Des p'tits trous, des p'tits trous, toujours des p'tits trous, des trous de première classe percés grâce à la pince livrée avec, pour composer sa propre musique. Vingt notes seulement ; passer à trente-trois pour bénéficier d'une gamme chromatique [était] au-dessus de mes moyens (article du 22 juin 2012). D'autant qu'il en existe de jolies virtuelles chez SonicCouture ou UVI ! Ce n'est pas pareil. Tournez, tournez manège, les petits bruits de la mécanique donnent une poésie inégalée.

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vendredi 19 avril 2024

Black Museum de Bruno Letort

Par Jean-Jacques Birgé, vendredi 19 avril 2024 à 02:04 :: Musique


Une couverture de François Schuiten, des musiciens aussi prestigieux que variés parmi lesquels David Krakauer, Evan Ziporyn, David Torn, David Linx, Mike Ladd, Thomas Bloch, Christian Zanési, des paroles de Laurie Anderson, le tout chapeauté par le compositeur Bruno Letort que je connaissais évidemment comme homme de radio pour avoir joué plusieurs fois à son émission Tapage nocturne pendant les vingt ans où il officia à France Musique, le disque Black Museum a de quoi me mettre la puce à l'oreille. En 1998 j'avais participé à son livre Musiques plurielles, mais je me souviens surtout du professionnalisme de Bruno Letort lorsqu'il s'agissait de présenter le travail d'un de ses collègues ou de les interviewer à l'antenne (cf. quelques unes de mes interventions aux index 4, 6, 16, 24, 27). Pourtant il ne cessa jamais de composer depuis son premier album en 1982, ni de collaborer avec Schuiten et Peeters, Richard Galliano ou Wally Badarou, Jean-Claude Petit ou Bruno Coulais, Ghédalia Tazartès ou Henry Selick, et tant d'autres comme Stromae dont il arrangea six chansons de son album Multitude. Alors pourquoi ai-je immédiatement pensé à Hector Zazou ? Peut-être pour cette aptitude à embarquer du monde avec lui au cours de ses aventures, aboutissant à une sorte de nouveau baroque...


Un univers dramatique, rythmiques généreusement lourdes, guitares saturées s'envolant dans les cintres, clarinettes, cor et basson, quatuors à cordes et renforcement par les cordes en général, la musique de Black Museum est à la fois chargée et entraînante, comme si le feedback servait de fil d'Ariane. Les improvisations y générant l'écrit, cette pratique suscite l'empilement. Les sons électroniques jouissant d'une grande liberté se mêlent aux archets obstinato. Letort est aux claviers, aux sons électroniques et aux percussions. Et les voix de commenter ici et là cette bande dessinée sans images.

→ Bruno Letort, Black Museum, CD Soond, 16,99€, sortie le 26 avril 2024

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mardi 16 avril 2024

Paratonnerre de Griffure

Par Jean-Jacques Birgé, mardi 16 avril 2024 à 04:22 :: Musique


Impressionné par la violoniste Amaryllis Billet lorsque je l'avais découverte il y a huit ans au sein du Spat' sonore de Nicolas Chedmail, je ne suis pas si étonné d'entendre le duo Griffure qu'elle a fondé avec sa comparse, la violoncelliste Léonore Grollemund, un duo qui sort résolument de l'ordinaire. À l'époque, comme les autres spatistes, son instrument (électrique) est diffusé dans l'espace par de très longs tubes s'ouvrant sur des pavillons. Cette fois elle chante aussi, ou d'abord, comme Léonore Grollemund. Et ensemble elles se sont agrandies au trio avec l'électroacousticienne Undae, puis au sextet avec la violoniste Chloé Julian, l'altiste Alix Gauthier et la contrebassiste Léa Yèche, jusqu'à enregistrer l'album Paratonnerre. Nous y voilà. Et toutes ces filles chantent, du moins toutes les cordes. Frottées et vocales. Et ça vibre, avec moult ornementations. Et tout cela pouvant être transformé par l'électronique.
Amaryllis et Léonore sont parties des voix. Les cordes ont pris le pas sur les chansons. Les paroles sont sombres, mais la musique est claire. Pourtant, s'il faut un paratonnerre, c'est qu'il y a de l'orage dans l'air. L'onde est menaçante. Des murmures ensorcelants planent à la surface. Le chœur féminin s'efface devant l'eau verte avant d'entamer une valse légère ou un canon perturbé par la machine. On ne sait jamais qui du quintet à cordes ou du chœur céleste rappellera les mélodies d'antan pour les transformer en contemporaines menaces. L'ombre s'éloigne, laissant le modulateur en anneau rythmer la scène avant dissipation. Des histoires de filles. Des filles libres. Lyriques ou bruitistes, drôles ou graves, seules et ensemble. Des filles qui griffent.

→ Griffure, Paratonnerre, CD Umlaut, dist. Socadisc, 15€

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lundi 15 avril 2024

Apéro Labo et consorts sur la revue Bad Alchemy 123



Par Jean-Jacques Birgé, lundi 15 avril 2024 à 01:13 :: Musique


Prequel de l’article de Rigobert Dittmann traduit de l'allemand tant bien que mal par mes soins, extrait de la rubrique nowjazz plink'n'plonk !

JEAN-JACQUES BIRGÉ a commencé la nouvelle année en chroniquant des documentaires sur Jacques Lacan, l'évocation de Bernard Vitet, "Maus" d'Art Spiegelman, "Le voyage dans la lune" de Méliès et les Disques de David Lynch. Et musicalement, nonobstant une rupture de canalisation d'eau, le 14 janvier un concert live au studio GRRR avec le violoniste MATHIAS LEVY, venu malgré la grippe, qui s'est distingué avec "Revisiting Grappelli" et "Les Démons Familiers" et qui a déjà joué "Tout Abus Sera Puni" avec Birgé & Naïssam Jalal, et ANTONIN-TRI HOANG, lui aussi habitué du label GRRR, dont le registre va du Red Desert Orchestra d'Eve Risser à l'Orca Noise Unit. Ce dernier a utilisé des synthétiseurs, une clarinette, un sax alto et des percussions, tandis que JJB s'est intégré aux images sonores avec un sampler, des synthétiseurs Soma, une shahi baaja, une guimbarde et un ballon de baudruche. En résultent sept morceaux d'une 'expérience de mentalisme musical' proposée par Hoang : l'un des 30 auditeurs* écoute une minute piochée dans une playlist d’archives musicales, choisie au hasard et inaudible pour les autres, et décrit brièvement, mais de manière fleurie, ce qu'il a entendu, ce qui commence par déclencher des rires. C'est ainsi que sont nés 'Allumettes Paillasson', 'Particules fines', 'Au delà des galaxies', 'Un gros Sibérien', 'Le train ne s'arrête pas', 'Combat de chiens coréen' et 'Yemen', enchâssés dans Apéro Labo 1 (GRRR 3118, numérique). Seuls ces 'assistants' volontaires peuvent établir un lien avec ce qu'ils entendent, mais tous peuvent faire des comparaisons avec la description. Avec une bonne dose de magie, ces compositions instantanées déploient incontestablement une musique de chambre électroacoustique miraculeuse et un folklore ambiant exotique, avec un violon doux et frémissant ou dansant, le son de cithare de la shahi baaja, un triangle étincelant, des vagues de vrombissements, des lèvres sifflotantes, des 'coups de sabots', des touches de synthés, des sons flottants, de délicats pizzicati. Avec des éraflures rugueuses, des poussées 'russes' orchestrées qui s'élancent, des répétitions qui se balancent, du noise et des sons indescriptiblement terribles ou discrets. Narratif ? Cinématique ? Fantastique ? Le synthé se déplace, double tonalité de locomotive à vapeur, sur un violon monosyllabique qui tire des fils, intime et dansant, et sur une clarinette rugueuse qui suit le mouvement. Le groove de la guimbarde, les harmoniques sifflantes, le son d’une vielle fendue, le chant guttural du chaman et le ballon de baudruche gémissant créent des canards-chats (comme le Dr Moreau chez H. G. Wells ou le Dr Baxter dans "Poor Things") ; d'autres expériences inouïes donnent naissance à des chiens au museau cousu. Et pour finir, la radio-pop déformée, les rythmiques animées, entourées de bruits et le pizzicato dégoulinant dépeignent un autre Yémen. Les Parisiens s'étonnent et rient. Et c'est bien ainsi - rire et jouer et s'étonner et rire.

Le temps passé avec Birgé ne serait pas complet sans un nouveau regard sur www.drame.org/blog, où il nous offre une réécoute de '¡Vivan Las Utopias!', la contribution entraînante d'Un Drame à "Buenaventura Durruti" (1996), chantée par la fille de Birgé, Elsa, alors âgée de 11 ans. Ce qui déclenche involontairement un flashback nostalgique vers →Nato, le fantastique label fondé en 1980 par Jean Rochard. Il va sans dire que JJB fait front sans faiblir contre l'exploitation de l'homme par l'homme, le crime organisé, la manipulation de masse, le cynisme et le défaitisme. Ancré dans le quotidien, il s'insurge contre la date limite de consommation (DLC) en tant que gaspillage alimentaire. Reste à saluer l'édition anglaise de "Underground, The illustrated Bible of Cursed Rockers and High Priestesses of Sound" d'Arnaud Le Gouëfflec & Nicolas Moog, dans laquelle - aux côtés de Daniel Johnston, Moondog, Nico, The Residents, Sun Ra ou Yma Sumac - Un D.M.I. se voit confirmer, avec Boris Vian, Colette Magny, Brigitte Fontaine et Eliane Radigue, sa prétention française au statut de 'weirdo' (bizarre, vous avez dit bizarre ?).



La suite de l’article, déjà publiée le 18 mars dernier, concerne essentiellement l'album Codex, qui fait figure d'Apéro Labo 2, avec l'altiste Maëlle Desbrosses et la tubiste Fanny Meteier.

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vendredi 12 avril 2024

Mieux que le réel ?

Par Jean-Jacques Birgé, vendredi 12 avril 2024 à 00:03 :: Musique


Pendant des années j'ai défendu les instruments virtuels pour des raisons économiques. Lorsque le budget le permettait nous avions recours à un ensemble de musiciens, voire un orchestre symphonique, plutôt qu'à des clones électroniques. Certains projets le justifient encore, mais les avancées technologiques offrent des possibilités qu'aucune formation vivante ne permet. Quel compositeur n'a jamais rêvé de diriger un orchestre au doigt et à l'œil, mieux, d'entendre sa musique au fur et à mesure qu'il l'imagine ? Dans la vie réelle les deux sont impossibles à conjuguer. On peut toujours faire jouer des partitions, mais il est impossible d'improviser avec un gamelan au grand complet, un orchestre symphonique ou un big band de jazz. Aujourd'hui les instruments sont soigneusement échantillonnés par des virtuoses assistés par des ingénieurs du son chevronnés au point de créer l'illusion du vrai. Ce n'est évidemment qu'une chimère, car pour retrouver l'humanité du jeu il faut compter avec l'imperfection que la machine ignore. Sa programmation exige d'introduire quantité de petites erreurs ou de variations, on choisira le terme approprié selon sa propre approche philosophique. Les ensembles et certains instruments se prêtent mieux au subterfuge que d'autres. Si les claviers et les percussions supportent souvent la supercherie, la plupart des solistes ne sont pas prêts de perdre leur travail. N'essayez pas de remplacer un trompettiste ou un violoniste, vous courriez au massacre. Par contre les masses orchestrales offrent des alliages inédits que nos budgets en peau de chagrin ne permettent plus de créer à l'ancienne. Et, surtout, nous pouvons créer dans l'instant des sons qui nous étaient interdits jusqu'ici. On ne le répétera jamais assez, à chaque support correspond un type d'œuvre et chaque œuvre justifie tel ou tel choix d'outils.


Des applications informatiques telles UVI ou Kontakt sont des moteurs pour lesquels différentes sociétés fabriquent des instruments virtuels époustouflants. Les instruments de l'IRCAM et les jouets musicaux sont abrités par l'UVI Workstation tandis que Kontakt (Native Instruments) héberge quantité d'instruments étonnants, ensemble baroque, gamelan, Array Mbira, KIM, Morpheus, steel drum, piano préparé (SonicCouture), instruments du monde entier, pianos mythiques, etc. Si ces clones ont été échantillonnés d'après des instruments se jouant de manières fort diverses, ils ont l'avantage de pouvoir se jouer au clavier ou programmés par un séquenceur. Certains modes de jeu en deviennent accessibles ; par exemple, on ne pourrait autrement jouer des tiges d'un piano électrique EP73 à l'archet. Tous les mélanges sont possibles, le musicien bidouillant ses programmes comme il les entend.


Remercions ici les virtuoses qui ont enregistré chaque note de leur instrument pour les partager avec d'autres, pervertissant leurs outils comme il est souvent pratiqué en musique contemporaine, proposant quantité de modes de jeu que l'utilisateur peut régler à sa guise. Ainsi Thomas Bloch échantillonna son glass armonica mozartien, ses ondes Martenot, son cristal Baschet, le Birmingham Conservatoire livre ses clavecins, théorbes, psaltérions, le Keswick Museum son lithophone... Si aujourd'hui je peux faire semblant de jouer des ondes Martenot, je sais pourtant que rien ne vaudra jamais le plaisir de partager des instants musicaux avec Thomas comme lors de l'enregistrement de Nightmare avec Lindsay Cooper pour Sarajevo Suite à Londres en 1994. Plus je pianote sur ses merveilleuses machines folles en studio, plus je reviens vers les instruments acoustiques lorsque je me produis en concert !

Article du 18 mai 2012

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jeudi 11 avril 2024

Expo Métal à la Philharmonie

Par Jean-Jacques Birgé, jeudi 11 avril 2024 à 02:43 :: Musique


À quoi s'attendre d'une exposition sur le rock Metal à la Philharmonie si ce n'est à un univers gothique ? Le sujet devrait drainer une foule de visiteurs qui n'ont pas l'habitude de fréquenter ce temple de la musique classique et contemporaine. En tout cas, la scénographie, due à Achille Racine et Clémence La Sagna, sombre et labyrinthique, correspond bien à cet univers de grimaces et de strass qui joue sur l'humour noir et les décibels. Je n'ai pour ma part jamais senti la subversion représentée par ce qu'on appelait le hard rock, à l'époque où j'écoutais avec curiosité Black Sabbath, Deep Purple, Led Zeppelin, Grand Funk Railroad ou Steppenwolf. Il me semblait que Frank Zappa ou le free jazz étaient beaucoup plus incisifs, critiques du monde qui nous entourait, et le psychédélisme hippie correspondait mieux à mes utopies que la noirceur d'un rock trop carré à mon goût. C'est à l'adolescence de ma fille que je m'y suis intéressé, l'accompagnant par exemple à un concert d'Aerosmith. Est-ce un parcours habituel chez les ados de s'enticher de hard rock et de reggae ? Qu'y trouvent les nostalgiques qui ont vieilli sans en démordre si ce n'est une manière de s'échapper du train-train qui souvent les a rattrapés ? Le hard rock et les futures et nombreuses déclinaisons du Metal représentent la culture d'une classe sociale qui rejette les raffinements d'une bourgeoisie pourtant souvent aussi rebelle. C'est l'histoire de la musique. On retrouvera ce mouvement avec le punk. Ce n'est pas un hasard si le stand de bière était pris d'assaut au vernissage de l'expo.


Les amateurs s'y reconnaîtront, les autres le découvriront, même si, comme toutes les expositions sur la musique, l'ensemble est éminemment fétichiste. On peut admirer les guitares de Van Halen, Joe Satriani, Steve Vai, la batterie de John Bonham, les costumes de scène incroyables, des dizaines de T-Shirts qui se porteront comme des reliques d'un temps qu'on aura vécu, les posters, photographies et pochettes de disques provocantes, les couvertures du magazine Métal Hurlant.


Les vitraux d'Adrien Havet & Jesse Daubertes (Førtifem), responsables de la conception graphique, illuminent la chapelle. Les images de H.R. Giger sont nombreuses comme son Necronom (Alien III) qui nous accueille à l'entrée. On découvrira la tapisserie de Philippe Druillet d'après le tableau L’île des morts de Böcklin, les œuvres de John M. Armleder, le crucifix à double hélice de Wim Delvoye ou sa Porte du Paradis, fortement inspirées par le Metal ! Le magnifique catalogue en montre certaines qu'il aurait été difficile de présenter à la Philharmonie. L'ouvrage de 256 pages aborde La scène qui analyse les composants du Metal, L'imaginaire qui le confronte aux différentes formes d'art, et Le public qui interroge les collectionneurs.


Je me souviens d'un concert d'Alice Cooper en 1971 à l'Espace Cardin. La peur n'était pas venue du show grand guignol du chanteur de Detroit produit par Frank Zappa, mais la foule à l'entrée était si serrée, m'écrasant tant que mes pieds ne touchaient plus le sol. Pas de serpent python à la Philharmonie, mais sa guillotine de prestidigitateur qui lui fera plus tard perdre la tête ! Plus loin, une pièce est dédiée au Metal français dont j'ignorais tout.


Si la musique est présente dans les haut-parleurs, des casques permettant d'essayer les pédales d'effets et le proscénium à trois écrans diffusant du live de la mort, Hellfest oblige, l'exposition, conçue par Milan Garcin (historien de l'art qui était l'assistant de Jean-Hubert Martin pour l'exposition Carambolages au Grand Palais dont j'eus le bonheur de composer bande-son et musique en 2016 - cette affirmation du plaisir de la visite se retrouve d'ailleurs ici) et Corentin Charbonnier (anthropologue spécialiste des publics des musiques extrêmes), tourne autour des images théâtrales dont l'humour est un antidote à la puissance macabre de ces rocks martelés. Les masques effrayants font référence au cinéma d'épouvante. Le diable est inspirant avec les dissonances du triton (intervalle de quarte augmentée), surnommé le diabolus in musica, fortement utilisé dans le Metal qui se repaît autant des pompes et circonstances un peu ringardes de la musique symphonique.


Il ne manquait qu'une ligne de coke sur la table basse du salon reconstitué d'un groupe de Metal, mais nous sommes tout de même à la Philharmonie, et l'aspect trash du monde du rock, qu'il soit métal ou marshmallow, ne pourrait être représenté sans de multiples avertissements. Sex, drugs and rock n'roll ? Le sexe non plus n'est pas rappelé au profit des guitar heroes et du décorum saint-sulpicien. J'y ai croisé quelques rares groupies, mais c'était parmi les visiteuses, et encore ! Le Metal est-il si trash à regarder le monde dans lequel nous vivons ? Est-il si théâtral à décoder le storytelling servi dans les livres d'Histoire ou au Journal de vingt heures ? C'est peut-être justement cette projection perverse qui fait tout l'intérêt de ce carnaval morbide et bruyant.

→ Metal, Diabolus in Musica, exposition à la Philharmonie, jusqu'au 29 septembre 2024
→ Milan Garcin & Corentin Charbonnier, catalogue relié Metal avec couverture noir et argent, ed. Gründ / Musée de la Musique, 39,95€
→ Vétérans de la scène Metal européenne, les Polonais de Behemoth en concert le 30 avril dans la Grande Salle Pierre Boulez.

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lundi 8 avril 2024

De Basse-Terre à Budapest en passant par Redon

Par Jean-Jacques Birgé, lundi 8 avril 2024 à 05:52 :: Musique


Je reçois plus de disques que je ne devrais en écouter sans que cela mange le temps dont j'ai besoin pour écrire et composer. Hélas la peau de chagrin que constituent les endroits où publier n'arrange pas les choses, mettant au chômage journalistes et attachés de presse si la tendance s'accentue. Nous n'en sommes pas loin. Eux du moins. Les blogueurs, agissant par passion et solidarité, sans espérer la moindre rétribution, ne risquent rien. Vraiment rien, si ce n'est décevoir celles et ceux pour lesquel/le/s je n'ai pas trouvé les mots pour évoquer leurs créations. Il faut bien avouer que ces derniers temps je reçois beaucoup de bons disques de bons musiciens, mais la plupart n'apportent rien de nouveau. Qu'ils s'inspirent avec bonheur du funk, du blues, du jazz, du free, du trad ou de la pop ne suffit pas à me donner les mots pour les évoquer avec l'envie positive qui me guide. Il y a des périodes où les productions rivalisent d'invention et d'autres où de nouvelles banalités règnent en maître. Ce sont évidemment des généralités puisque j'en ai tout de même chroniqués pas mal récemment et que ceux d'aujourd'hui rivalisent d'une certaine forme d'excellence.

Alors me voilà retrouver le sourire et remuer du croupion sur le mélange d'électro et de gwo ka des frères Timal, soit le producteur d'électro-funk Cyprien Steck aka Léopard Davinci et l'Ambianceur de Guadeloupe Jean-Marc Ferdinand. Les deux chantent, mais ils sont aussi accompagnés du saxophoniste Christophe Rieger, du trompettiste Paul Barbéri, du tromboniste Guillaume Nuss qui arrange les cuivres, du guitariste-bassiste Jérémie Revel, des tambours de Lyndeul Minatchy et Philomin Jordy, et des chœurs de Dave Martial. C'est simplement dansant, généreux, euphorique, et ça réchauffe tandis que la météo métropolitaine fait du yo-yo.

Puisque j'en suis là, je citerais bien Slydee, l'hommage très funky du bassiste Sylvain Daniel sur lequel le trompettiste Aymeric Avice me surprend, le connaissant essentiellement dans des contrées plus expérimentales. Le pianiste Bruno Ruder, le claviériste Arnaud Roulin et le batteur Vincent Taeger sont aussi formidables. Ça bouge drôlement bien, c'est très réussi, mais je reconnais trop Prince, Miles Davis ou Michael Franti pour passer de l'autre côté du miroir. Je le réécouterais bien comme un disque de compilation...

Troisième disque dansant de cette sélection, Traverse du trio Akagera s'inspire de la musique africaine pour un jazz moderne où l'instrumentation originale, David Georgelet à la batterie, Benoit Lavollée au vibraphone et marimba, Stéphane Montigny au trombone basse, permet d'échapper aux poncifs du genre.

Encore du trombone, celui de Simon Latouche, pour le trio de l'accordéoniste diatonique breton Janick Martin, le troisième larron étant le guitariste électrique Julien Tual. Ajoutez le saxophoniste ténor Robin Fincker en invité et conseiller musical, et vous obtiendrez ce breizh solide (référence à Mandryka, comprenne qui pourra !) qui continue à faire danser au bout de la terre, chorémanie (épidémie de danse, rien que ça, qui eut lieu réellement à Strasbourg au XVIe siècle, c'est un peu loin de Redon, d'accord, mais c'est ce qui les a ici inspirés). Les régions où la langue perdure offre toujours une musique puissante qui résiste à la centralisation. Comme un jour, ma fille qui avait six ans me demanda si la Bretagne était en France. Je n'en suis pas tout à fait certain. Ces chansons sans paroles renvoient à un temps qui n'est pas révolu.

Plus proche de mes affinités musicales (je ne sais pas vraiment danser !), le trio Fur composé de la clarinettiste Hélène Duret (avec qui j'ai enregistré il y a quelques mois Le songe de la raison en compagnie de la harpiste Raffaelle Rinaudo), du guitariste Benjamin Sauzereau et du batteur Maxime Rouayroux propose une musique délicate et rafraîchissante. On se laisse porter. Musique de groupe qui les rapproche de la pop alors que c'est un jazz plutôt impressionniste, intime.

Sur le même incontournable label hongrois BMC, j'ai écouté avec plaisir l'András Dés Quartet (trompette, piano, guitare, percussion), le trio Karja-Renard-Wandinger (piano, contrebasse, batterie) et le trio Shadowlands du saxophoniste-clarinettiste Robin Fincker, de la chanteuse Lauren Kinsella et du pianiste-organiste Kit Downes, mais je n'y trouve pas plus l'épatement que je recherche avidement, l'inouï. D'autres que moi s'emballeront heureusement pour le lyrisme du pianiste honrois András Dés ou de son trompettiste berlinois, Martin Eberle, pour les rebonds à la fois droits et obliques du trio de la pianiste estonienne Kirke Karja, pour les chansons traditionnelles (ou qui s'en inspirent) de Lauren Kinsella sur leur écrin de velours. Ils et elles le méritent.

Les Responses To Ligeti confrontant le Miklós Lukács Cimbiosis Trio (cymbalum, contrebasse, batterie) au Ligeti Ensemble (quintet à vent) me ravissent évidemment, justement parce que le résultat est inattendu. J'avais découvert l'extraordinaire cymbaliste Miklós Lukács sur le fabuleux Bartók Impressions avec mon très cher violoniste Mathias Lévy et le regretté Mátyás Szandai à la contrebasse, un de mes disques récents préférés ; mon enthousiasme affublé de superlatifs s'était confirmé lors du concert en hommage au disparu au Bal Blomet. Avec la même distance créative le Cimbiosis Trio répond aux 10 pièces pour quintet à vent de György Ligeti. L'influence de ce compositeur sur les musiciens d'aujourd'hui ne fera que s'intensifier avec le temps. Je me souviens de son entretien en 1998 avec le pianiste Benoît Delbecq réalisé pour Jazz Magazine. Sa curiosité pour les autres musiques et sa manière de les intégrer tout en restant lui-même est exemplaire. Je me souviens encore d'un concert au Châtelet, un an plus tard, où Ligeti, présent dans la salle, avait choisi de faire entendre les chants des Pygmées Aka, puis les trompes et cors Banda Linda de Centrafrique. Responses to Ligeti est un disque magique, difficilement cernable. Ouf !

→ Les Frères Timal, sé sa menm, CD Aztec Musique, dist. Integral, sortie le 26 avril 2024
→ Sylvain Daniel, SlyDee, CD Kyudo, dist. L'autre distribution, sortie le 26 avril 2024
→ Akagera, Traverse, CD Prado Records 12€ (LP 22€), dist. The Pusher
→ Janick Martin Trio, Sông Song, CD Coop Breizh, 15€
→ Fur, Bond, CD BMC, dist. Socadisc, sortie le 26 avril 2024
→ András Dés Quartet, Unimportant Things, CD BMC, dist. Socadisc, 11€
→ Karja-Renard-Wandinger, Caught In My Own Trap, CD BMC, dist. Socadisc, 11€
→ Shadowlands, Ombres, CD BMC, dist. Socadisc, 11€
→ Miklós Lukács Cimbiosis Trio + Ligeti Ensemble, Responses To Ligeti, CD BMC, dist. Socadisc, 11€

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mercredi 3 avril 2024

Numéro spécial de TK-21 consacré à l'acousmatique

Par Jean-Jacques Birgé, mercredi 3 avril 2024 à 07:31 :: Musique


Le numéro 152 de la revue en ligne TK-21 consacré à la musique concrète/acousmatique/électroacoustique (gratuite, mais on peut la soutenir en y adhérant) me rappelle la défunte revue Musique en Jeu fondée en 1970 par Dominique Jameux. À la même époque on pouvait lire les Cahiers Recherche/Musique publiés par l'INA/GRM, ou les revues VH101 et L'Art Vivant dont certains numéros étaient axés sur les musiques contemporaines. J'ignore s'il existe un équivalent aujourd'hui, mais je crains que non. La presse musicale est dramatiquement sinistrée. Or ce récent numéro de TK-21 dont le propos est, comme chaque fois, souvent au travers des images, de réfléchir notre temps est d'une fabuleuse richesse. Et, comme si cela ne suffisait pas, une suite sur le même sujet est sérieusement envisagée. Sollicité moi-même par Martial Verdier pour y pondre un petit sujet, je me suis forcément inscrit en faux par rapport au terme "acousmatique" avec ma Chanson de geste. J'y aborde mon rapport aux machines en évoquant chronologiquement mon périple, agrémenté de l'écoute de First Step, First Tape composé en 1968, Bolet meuble improvisé à l'ARP 2600 en 1975 avec Francis Gorgé, et Power Symphony que j'avais enregistré en 2012 pour le Prix Pictet du temps où j'occupais le poste de directeur musical ds Soirées des Rencontres d'Arles.
J'ai donc commencé la lecture de ce superbe recueil en écoutant Brunhild Ferrari évoquer avec justesse l'œuvre protéiforme de son mari Luc Ferrari, illustrée par un film étonnant de 1962, Spontané IV, quatre improvisations sur schéma orchestral avec l'Ensemble EIMCP dirigé par Konstantin Simonovic et le compositeur. Ce n'est pas un hasard si je me sens des affinités avec lui, car évidemment nul son électronique dans cette pièce réalisée dans le cadre des expériences instrumentales du GRM dont il avait alors la charge. Un petit pas de côté, comme d'hab ! Dans le disque Opération Blow Up (1992) d'Un Drame Musical Instantané figure la collaboration de notre trio intitulée Comedia dell'Amore 224 où Luc est crédité "reportage et voix" tandis que je jouais du synthétiseur et en assumais le mixage.
Le texte de Denis Dufour revient aussi sur son trajet historique, le film d'Esteban Zúñiga Domínguez l'interrogeant sur "l'écriture acousmatique". Suit un entretien vidéo de l'incontournable Michel Chion avec un extrait de son Requiem. Atomes est une création numérique de Simon Girard sur une musique d'Alexandre Yterse. En continuant avec les entretiens de Frédéric Acquaviva ou du duo Kristoff K.Roll entrecoupé des pièces World is the Blues et Corazón Road, je me rends compte que je ne suis pas le seul à considérer l'acousmatique comme un instrument parmi d'autres. C'est une sacrée bande d'iconoclastes qui sont mis là en images !
Deux extraits de son Hörspiel Chasseurs illustrent les propos de l'artiste sonore Amandine Casadamont avec qui j'ai eu le plaisir de commettre plusieurs albums et concerts sous le nom de Harpon. Suivent les témoignages de Bérangère Maximin, Jean-Baptiste Favory, le film Abraxas de Bruno Roche sur une musique de Lionel Marchetti et le live-vidéo de Philippe Boisnard sur celle de Jean Voguet, la visite du magasin de disques Souffle Continu présentée par Théo Jarrier (c'est sur leur label que figure mon duo de 1974 Avant Toute avec Francis Gorgé), les textes La spirale compositionnelle et spirituelle de Karheinz Stockhausen et Musique acousmatique contre impérialisme de l'image de Denis Schmite... C'est copieux, je n'ai pas encore tout lu, ni tout écouté. Survolé évidemment pour en livrer un compte-rendu plus flou que je ne le souhaiterais, mais chaque position réclamerait débat ! Toute la revue est donc merveilleusement illustrée iconographiquement, mais aussi en sons et vidéos, ce numéro donnant fortement envie de se (re)plonger dans tous ceux qui l'ont précédé, et évidemment de s'y abonner.

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mardi 2 avril 2024

La plume du dimanche

Par Jean-Jacques Birgé, mardi 2 avril 2024 à 00:11 :: Musique


La musique de chambre jouit mieux de la proximité que les grandes salles exigeant une sorte de translation des émotions pour que l’échange avec l’auditoire puisse s’exercer véritablement. Le duo de cordes formé par la violoniste Fabiana Striffler et le violoncelliste Karsten Hochapfel ne s’encombre pas d’une réverbération qui noierait leur complicité dans une falsification spatiale magnifiant leur lyrisme ancestral. En effet, ou donc, sans effet superfétatoire, les deux Allemands s’inspirent de leur culture classique contemporaine pour composer treize merveilleuses miniatures dans l’air de notre temps. Oserais-je avancer également « de notre lieu », puisque Hochapfel s’est fixé à Bagnolet et que Fabiana oscille souvent entre Paris et Berlin. La Mitteleuropa n’est néanmoins jamais loin tant j’entends les réminiscences de Bartók, Stravinsky ou Schönberg au travers de leurs inventions où le crin frotte le métal ou que les doigts pincent en faisant résonner les corps de bois abritant les âmes énigmatiques. Et ils dansent. Oui ils dansent. Leur virtuosité n’a pas besoin de s’étaler ostensiblement pour nous entraîner dans des méandres où nos esprits vagabondent. Leur talent d’improvisateurs y est pour quelque chose. Elle et lui jouissent de cette extraordinaire liberté qui permet de prendre la tangente et de s’approprier la règle et l’exception avec humour ou sérieux. Nous aussi dansons d’un pied sur l’autre. Lorsque la musique finalement s’arrête nous prenons soudainement conscience que nous avons voyagé loin, très loin, sans nous en apercevoir. Les archets ont décoché leurs flèches, et touchant notre cœur ils réveillent nos désirs et font naître nos passions.



→ Fabiana Striffler & Karsten Hochapfel, La plume du dimanche, CD Wopela, sortie le 5 avril 2024

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mardi 26 mars 2024

Sarajevo Suite : disparition d'Abdulah Sidran

Par Jean-Jacques Birgé, mardi 26 mars 2024 à 17:52 :: Musique


Le poète bosniaque Abdulah Sidran est mort samedi dernier à l'âge de 79 ans.
Après les films que j'avais réalisés à Sarajevo pendant le Siège en 1993 dans le cadre de Sarajevo: a street under siege, dont Le sniper, j'avais commis deux ans plus tard avec Corinne Léonet un disque non-benefit au profit de la reconstruction de la Bibliothèque de la ville martyre. L'un comme l'autre avaient eu un succès considérable. Pour unifier les pièces du CD Sarajevo Suite auxquelles participèrent les musiciens Lindsay Cooper, Henri Texier, Dee Dee Bridgewater, le Quatuor Balanescu, Willem Breuker, Louis Sclavis, Pierre Charial, Mike et Kate Westbrook, Linda Sharrock, Wolfgang Puschnig, Un Drame Musical Instantané, Phil Minton, Bruno Chevillon, Chris Biscoe, Noël Akchoté, Sébastien Texier, Bojan Z, Tony Rabeson, Thomas Bloch, Gérard Siracusa, Michèle Buirette, Bernard Vitet et moi-même, Dean Brodrick, Brian Abrahams, Carol Robinson, Michel Godard, Emil Krsitof, Lorre Lynn Trytten, Richard Hayon, j'avais choisi les poèmes d'Abdulah Sidran comme fil conducteur. Il y dit d'ailleurs lui-même Slijepac Pjeva Svome Gradu quand ce ne sont pas Jane Birkin, Bulle Ogier ou André Dussollier qui s'y collent merveilleusement. Sur scène Claude Piéplu assumait leurs rôles à tous les trois !
Avant la guerre, le poète avait été le scénariste d'Emir Kusturica pour Te souviens-tu de Dolly Bell ? et Papa est en voyage d'affaires. Il avait ensuite coécrit celui du film Le Cercle parfait d'Ademir Kenović pour lequel Bernard Vitet et moi avions écrit la musique, mais qui fut remplacée brutalement par un jeu de pouvoir financier qui avait disparu pendant le Siège, période paradoxale où les habitants ne parlaient que philosophie et poésie. J'y avais rencontré ce qu'il y avait de plus terrible et de plus beau dans l'humanité. Abdulah a rejoint Corinne, Lindsay, Willem, Linda, Claude, Bernard et tant d'autres.

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The Peacock, hommage à Zoltán Kodály

Par Jean-Jacques Birgé, mardi 26 mars 2024 à 03:43 :: Musique


Ce n'est pas facile pour des Hongrois de rendre hommage à l'un de leurs plus célèbres compositeurs en alternant certaines de ses œuvres chorales et des pièces originales composées par des membres du big band de jazz dirigé par Kornél Fekete-Kovács, le Modern Art Orchestra, surtout lorsqu'on sait que leur héros national, Zoltán Kodály, n'appréciait pas vraiment le jazz ! Une vingtaine de musiciens donc, dont le trompettiste Gábor Subicz, les saxophonistes-flûtistes János Ávéd et Kristóf Bacsó, le tromboniste Gábor Cseke et le chef et trompettiste lui-même ont composé des pièces qui répondent à un grand chœur de près de cinquante interprètes, le Kodály Choir dirigé par Zoltán Kocsis-Holper. Ajoutez les voix de Kriszta Pocsai et Milán Szakonyi et vous aurez une vision de cet ensemble qui danse sur des œufs peints. Ce n'est pas facile parce que Zoltán Kodály est une figure de proue de l’ethnomusicologie et de l’éducation musicale hongroises. Il a donc fallu autant de courage que d'humilité pour alterner les pièces chorales du compositeur de Háry János et des instrumentaux d'un jazz plutôt classique. S'il s'agit souvent d'alterner les deux, les instrumentistes et les chanteurs se retrouvent de temps en temps, le chœur élargissant l'espace orchestral par ses harmonies célestes. On sent pourtant bien qu'il y a deux temps, deux époques, deux quartiers, deux manières d'envisager la musique, même si l'alternance fonctionne très bien. C'est d'ailleurs de plus en plus courant, à l'instar des merveilleux programmes de Patkop, la violoniste Patricia Kopatchinskaïa. Pour des publics non œcuméniques, cela tient de l'initiation, rôle pédagogique qu'endossent quelques musiciens qui n'ont aucune frontière. La démarche ne peut que me plaire.

→ Modern Art Orchestra & Kodály Choir, The Peacock - Tribute to Zoltán Kodály, 2CD BMC, dist. Socadisc

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lundi 25 mars 2024

Unknown Winter pour guitare, sax ténor et trompette

Par Jean-Jacques Birgé, lundi 25 mars 2024 à 07:16 :: Musique


Le nouveau disque composé par Hasse Poulsen porte aussi les noms du sax ténor Fredrik Lundin, un autre Danois, et du trompettiste polonais Tomasz Dąbrowski. Cet Unknown Winter est un pont entre les pièces libres du guitariste et ses chansons. Pas de voix ici, mais la guitare classique, ou éventuellement une guitare-mandole à l'archet, confèrent au trio une sonorité de musique de chambre. On oscille entre l'apaisement souvent et parfois l'énervement, pas les nôtres, mais de la musique. Retenue, faite de solos, duos, trios, toujours ensemble, elle plane au-dessus de vastes plaines enneigées, réchauffée par un feu apprivoisé. Comme un citron givré. qui fait chaud au cœur parce qu'il rappelle de vieilles histoires. Ou bien un choral instrumental moderne.

→ Hasse Poulsen - Fredrik Lundin – Tomasz Dąbrowski, Unknown Winter, CD BMC enregistré à Budapest, dist. Socadisc

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samedi 23 mars 2024

La Sourde des oreilles jusqu'aux yeux

Par Jean-Jacques Birgé, samedi 23 mars 2024 à 06:04 :: Musique


Je terminais mon article du 27 septembre 2021 sur le spectacle Concerto contre piano et orchestre par "si La Sourde (c'est le nom de cet orchestre incroyable) passe près de chez vous, ne le ratez pas !". Ils sont de retour au Théâtre de L'Athénée jusqu'au 29 mars. Alors vous savez ce qu'il vous reste à faire !

Comment faire vivre un orchestre d'une vingtaine de protagonistes sans subventions ? Comment assurer des salaires décents et préserver l'extraordinaire enthousiasme de tous les musiciens ? Quelle structure culturelle y verra l'opportunité de présenter un spectacle exceptionnel qui enchante aussi bien les petits que les grands ? Ces questions peuvent sembler bizarres sous la plume numérique d'un compositeur, mais je me souviens encore une fois de Jean Cocteau dans l'impossibilité de se comprendre avec un producteur. Celui-ci voulait parler art quand le poète ne pensait qu'à l'argent qu'il lui fallait pour mener à bien son projet. Pendant six ans j'ai fait exister le grand orchestre du Drame en réduisant le nombre de répétitions pour ne pas exploiter les musiciens au détriment de la qualité du jeu. J'admire d'autant plus la qualité de celui de La Sourde. Ils et elles sont seize sur scène, tous et toutes excellents interprètes, tous et toutes d'une extrême bienveillance les uns pour les autres, et donc pour l'ambitieuse prouesse de jouer un Concerto contre piano et orchestre de Carl Philipp Emmanuel Bach, deuxième fils survivant de Jean-Sébastien, en étendant sa douzaine de minutes initiales à un spectacle contemporain qui explose l'espace scénique et rend intemporelle la musique en en réveillant le millésime.


Ils s'y sont mis à quatre pour écrire ce nouveau spectacle. Avant l'été j'avais adoré la reprise au Théâtre de l'Aquarium à Vincennes de la pièce Le Crocodile trompeur / Didon et Enée de Samuel Achache et Jeanne Candel. Si Achache est un brillant metteur en scène qui interroge chaque fois l'espace scénique et les mouvements qui s'y déploient, on le trouve ausi à la trompette dans cet orchestre de solistes qui font corps. Antonin-Tri Hoang, ici au saxophone alto et à la clarinette basse, avait collaboré avec lui pour Chewing Gum Silence et Original d'après une copie perdue. La pianiste Ève Risser, qui forme duo avec Hoang entre autres dans Grand Bazar, participait d'ailleurs à ce dernier. Quant au clarinettiste Florent Hubert, il avait déjà collaboré avec Achache et Candel pour de nombreuses pièces de théâtre. La musique est histoire d'amitié, de partage tout au moins, et le reste de l'orchestre n'échappe pas à ces retrouvailles heureuses autour d'un projet ambitieux qui sonne si léger tant il coule de source.


La source est baroque, musique du XVIIIe siècle d'un compositeur admiré par Haydn, Mozart et Beethoven. Source encore, l'introduction parlée du percussionniste Thibault Perriard devant le rideau de fer qui s'interroge sur la musique et ce qui la meut, comme je le fais, certes avec moins d'humour, au début de cet article. Et puis les cordes entrent en scène, violons (Marie Salvat, Boris Lamerand), violes de gambe (Étienne Floutier, Pauline Chiama), violoncelles (Gulrim Choï, Myrtille Hetzel), archiluth (Thibaut Roussel), contrebasses (Matthieu Bloch, Youen Cadiou), augmenté du cor naturel (Nicolas Chedmail). Je vole à l'irremplaçable Jeff Humbert l'apparition de la pianiste, de dos, derrière la petite porte qui s'ouvre dans le rideau de fer doré. Le Théâtre de l'Athénée est évidemment rouge et or, typique d'une salle à l'italienne, avec ses cariatides et sa coupole en faux ciel, restes de l'Eden-Théâtre. Depuis une loge située derrière nous qui sommes à la corbeille, Jeff capte discrètement les mouvements de l'orchestre avec son téléobjectif. L'amateur, biologiste de profession, donne à entendre ce que les professionnels ne voient plus, comme les journalistes dont l'absence est souvent comblée par les blogueurs. Mais les belles photos en couleurs sont de Joseph Banderet. Tout au long du spectacle, Perriard tient le rôle du clown musicien. C'était mon préféré lorsque, enfant, j'allais au cirque. Il monte et démonte, mime et soutient. Ève Risser, soliste du concerto, ne se prive pas de ses préparations magiques qui transforment le piano en gamelan et percussion. Soudain, ses camarades accourent, virevoltent et lui prêtent mains fortes sur le clavier. Le concerto, pourtant joué dans l'ordre de ses trois mouvements, est déstructuré par des digressions délicatement amenées. Les cuivres s'y mettent, trompettes (Olivier Laisney, Samuel Achache), clarinettes et saxophones (Antonin-Tri Hoang, Florent Hubert), flûte (Anne-Emmanuelle Davy) et le cor qu'on entend bien pour une fois qu'il ne participe pas simplement au timbre...


D'un mouvement à l'autre, l'orchestre se déploie sur scène de tant de façons que l'on se demande pourquoi les scénographies sont habituellement si pauvres quand il s'agit de placer les musiciens. Ils jouent assis, ils jouent debout, ils se déplacent et tout fait sens. Une fugue arbitraire (clin d'œil à Papa Bach ?), un menuet, oui mais aussi une sortie aylerienne de sax alto, un chorus de trompette, des illusions d'optique sonore s'insèrent dans les mouvements "bis" où la musique ancienne retrouve une nouvelle jeunesse. L'art n'a pas d'âge. Les lumières de César Godefroy et les uniformes de Pauline Kieffer participent à cet étrange ballet de musiciens qui nous entraîne loin des conventions tant théâtrales que musicales. Comme souvent j'ai cherché des cousinages : Kagel (à la récré) évidemment, Berio (son Orfeo de Monteverdi enregistré à France Musique, jamais retrouvé), le Winterreise de Schubert par Hans Zender ou la version arrangée par René Lussier et Vincent Gagnon, les dérapages d'Uri Caine... Alors, si La Sourde (c'est le nom de cet orchestre incroyable) passe près de chez vous, ne le ratez pas !

→ Concerto contre piano et orchestre de Samuel Achache, Antonin-Tri Hoang, Florent Hubert et Eve Risser avec l'Orchestre La Sourde

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mercredi 20 mars 2024

Lionel Martin & Sangoma Everett s'adressent au monde

Par Jean-Jacques Birgé, mercredi 20 mars 2024 à 06:52 :: Musique


Letter To The World, rien que ça ! C'est qu'il y a de quoi. Lionel Martin & Sangoma Everett enfoncent le clou. Bien profond, avec l'urgence que leur confèrent les circonstances et la sagesse des anciens. Les références de leur nouveau disque sont nombreuses. Cela vient du choix du répertoire évidemment, même si le saxophoniste lyonnais et le batteur américain assument leurs racines bluesy avec la distance de leurs propres sentiments, favorisant de nouveaux rameaux. Leur Who Knows de Jimi Hendrix a en effet quelque chose du Band of Gypsys et Afro Blue de Mongo Santamaria a forcément un parfum coltranien. Il y a cinq ans ils enregistraient déjà Revisiting Afrique, mais sans les voix. Celle de Sangoma Everett, qui fut chanteur de soul avec The 35th Street Gang, ou celle de Sophia Companion sur un poème d'Emily Dickinson qui donne son titre à l'album. Si le passé est assumé, du poème à Polo qui est parti et force Sangoma à parler aux murs à Ni dieu ni maître, hommage de Lionel à Jean-Louis, son beau-père, l'espoir habite le futur avec No Guns ou À la recherche du temps futur qu'il a composés.


L'anarchie, une rage de vivre, souffle à nouveau depuis qu'il a rempilé avec Fanxoa, le chanteur des Béruriers Noirs, et qu'est déjà annoncé un second vinyle de No Suicide Act, un autre duo, punk rock cette fois, mixé par Disque Noir. Violence des paroles contre la violence du monde. Fanxoa n'y va pas de main morte. À La nuit noire répond Manifeste No Suicide. Sur les uns comme sur les autres, Lionel commande des machines, en nuages ou caillasses, contrepoint pluriel de son saxophone, lyrique et généreux.

→ Lionel Martin & Sangoma Everett, Letter To The World, LP Ouch!, 24€ (9€ numérique, 8€ handmade CD), sortie le 5 avril 2024
→ No Suicide Act, LP Ouch!, 18€ (7€ numérique)

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lundi 18 mars 2024

CODEX sur Bad Alchemy #123

Par Jean-Jacques Birgé, lundi 18 mars 2024 à 17:09 :: Musique


Article de Rigobert Dittmann traduit de l'allemand tant bien que mal par mes soins !
Après le violoniste Mathias Lévy dans Apéro Labo 1, la suite intitulée Codex (digital) accueillera le 18 février au studio GRRR MAËLLE DESBROSSES à l'alto, voix, appeaux & percussions, qui, elle-même membre des trios Suzanne et Ignatius et tête pensante de Maëlle et les Garçons, a joué et enregistré "Les Démons Familiers" de Lévy. On retrouve également FANNY METEIER au tuba et à la voix, la partenaire de Desbrosses dans le duo Météore ; elle avait déjà réalisé "Raves" avec JJB sur la base des 'Oblique Strategies'. JJB a rédigé son portrait pour Citizen Jazz dans le cadre de la Journée Internationale des Femmes et suggéré des tableaux de Paul Klee, Kandinsky ou des Delaunay comme partitions idéales pour son tuba. Mais ici, c'est le "Codex Seraphinianus" qui sert de base, l'encyclopédie de choses imaginaires de l'artiste, illustrateur et designer romain Luigi Serafini, publiée en 1981 et saluée comme "le livre le plus étrange du monde". Ce mélange détonnant du manuscrit de Voynich, de Bosch, de Borges et des Monty Python est un assemblage parfait pour alimenter et défier l'imagination. Ainsi, dans une spontanéité improthéâtrale, les trois musiciens se sont essayés à mettre en musique l'étonnant et l'incompréhensible d’après 7 illustrations choisies par le public - un véhicule-mouche qui se désagrège, un étrange jeu d'amour et de crocodiles, une écriture énigmatique, des poissons-robinet, des fleurs imaginaires, un numéro de cirque fantastique, des œufs surréalistes. Le fait que JJB ait pour cela élargi sa panoplie de jouets - clavier, Enner, Terra et Tenori-on - Le fait que l'artiste ait prêté une arbalète en laiton et plexiglas à Desbrosses, ajoutant flûte, criquet, triangle, chuchoteur, trompette à anche ne doit pas étonner. Même si l'image et le son restent droits dans leurs bottes, la recherche d'analogies sonores par des gestes, pincements, tintements, pinceaux et même en utilisant la bouche, donne à cette peinture électroacoustique de ce dimanche, à ce soundscaping miraculeux, un attrait ludique et une note extra curieuse. Le fait que JJB admire des femmes comme la compositrice Gloria Coates (1933-2023), mais surtout Hector Berlioz en tant que lien entre Rameau et Varèse, est plus qu'une simple note en bas de page. Il déclare même que ses poèmes symphoniques, ses symphonies à programme et surtout son mélologue "Lélio ou Le retour à la vie" (une mosaïque d'autocitations et un traité autofictionnel qui a révolutionné l'histoire de la musique) sont les précurseurs de sa 'musique à propos'. Et j'ai l'impression que la définition d'A.C. Danto de l'art comme 'rêves éveillés' et son 'aboutness' comme 'à-propos-de' sont sortis d'un des œufs de Serafini.

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jeudi 14 mars 2024

Lélio, seconde partie de la Symphonie Fantastique

Par Jean-Jacques Birgé, jeudi 14 mars 2024 à 00:19 :: Musique


Je suis absolument enchanté d'écouter enfin une autre version de Lélio ou "le retour à la vie" que celle de Pierre Boulez avec Jean-Louis Barrault comme récitant. Il est tout à fait étonnant que cette seconde partie qui fait suite à la Symphonie Fantastique soit relativement méconnue. Hector Berlioz écrit que l’œuvre « doit être entendue immédiatement après la Symphonie Fantastique, dont elle est la fin et le complément. » Ce mélologue ou "monodrame lyrique pour récitant, solistes, chœurs et orchestre" a toujours figuré pour moi les prémisses du théâtre musical moderne. Il anticipe aussi la mode de l'autofiction : la musique sauve le compositeur du suicide après une nouvelle rupture amoureuse ; après l'actrice irlandaise Harriet Smithson qui lui inspire la symphonie et qu'il épousera plus tard, il se fait plaquer par Marie-Félicité-Denise Moke qui se mariera à Camille Pleyel. L'excès d'opium crée ainsi des visions terrifiantes, mais le réveil lui dicte une méditation sur Shakespeare. Le narrateur y incarne Berlioz lui-même, auteur d'un texte rageur réglant ses comptes avec la critique. Il revient sur son œuvre, se citant musicalement, scénographiant l'orchestre hors-champ avant que ne s'ouvre le rideau, allant jusqu'à donner d'astucieux conseils aux exécutants ! S'il emprunte le chœur d'hommes à la cantate La mort de Cléopâtre, la "harpe éolienne" à La mort d'Orphée, on retrouvait déjà dans la Symphonie Fantastique la cantate Herminie, la Scène aux champs et la Marche au supplice présents dans l'opéra inachevé Les francs-juges. Comme une sorte de jubilé moderne il rassemble une mélodie accompagnée au piano, des chœurs, un "chant de bonheur" pour ténor et harpe, une fantaisie avec chœurs et deux pianos à quatre mains ! Son concept de l'idée fixe fonctionne parfaitement avec sa colère. La mise en scène donne son unité à cette mosaïque de pièces musicales. On peut comprendre que Lélio soit rarement représenté comme il le devrait. Ici, peut-être plus qu'ailleurs, l'œuvre apparaît celle d'un visionnaire.
J'ai un grand attachement à Berlioz pour plusieurs raisons. J'entends les poèmes symphoniques ou ses symphonies à programme comme des antécédents à ma "musique à propos". Flûtiste et guitariste, c'est un compositeur quasi autodidacte qui devra produire lui-même ses spectacles, et réinventer l'orchestre en intégrant l'instrumentation et l'orchestration dans la composition (son Traité est un modèle qui révolutionna l'histoire de la musique). Il incarne pour moi le maillon entre Rameau et Varèse.
La version dirigée par Jean Martinon est plus fine que celle de Boulez. Jean Topart en fait moins que Barrault, il est moins exalté, mais j'aime bien les deux, Barrault correspondant bien aux exagérations romantiques de Berlioz.

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samedi 9 mars 2024

Apéro Labo : Météore rencontre Birgé (Citizen Jazz)

Par Jean-Jacques Birgé, samedi 9 mars 2024 à 10:12 :: Musique


Jean-Jacques Birgé, Fanny Meteier et Maëlle Desbrosses

Laboratoire musical le plus cool du monde.

Ne prévoyez pas d’aller chez le coiffeur avant un concert d’Apéro Labo chez Jean-Jacques Birgé. Vous risquez d’en sortir ébouriffé. Et oui, parfois la musique passe avant l’allure et les standards trépassent devant tant d’inventivité.

L’invitation ludique et poétique, un brin loufoque indiquait :
« La liberté de l’indépendance pour le plaisir des sens
Concert dans un lieu mythique
Excellentes conditions acoustiques
Délicieuses provisions de bouche
Nos compositions instantanées sont enregistrées en votre présence
Qualité disque »


Tout un programme. Cela n’est pas peu de l’écrire…
Cet évènement qui s’est déroulé par un dimanche endormi de pluie du 18 février dernier, était bien plus qu’un simple programme. Jean-Jacques Birgé recevait en polymathe flegmatique, vêtu d’une combinaison orange tonique, comme tout droit sorti d’une prison où il serait interdit… de ne rien toucher !
Cet homme de l’art, des arts et des sons pleins de surprises, invitait Maëlle Desbrosses à l’alto et Fanny Meteier au tuba. Ce binôme espiègle de musiciennes forme le duo Météore, qui se produira par ailleurs le 2 mai 2024 prochain à l’Atelier du Plateau à Paris.

Le maître mot du maître de maison : « C’est moins que se rencontrer pour jouer que jouer pour se rencontrer ».

Cet Apéro Labo # 2, performance unique et singulière, atypique et follement expérimentale s’est déroulée autour de pages tirées, par quelques mains sollicitées au hasard, du Codex Seraphinianus, un codex écrit vers la fin des années 1970 par Luigi Serafini, auteur de cet ouvrage rédigé en une écriture non déchiffrée et indéchiffrable et illustrée de planches toutes plus fascinantes les unes que les autres.


Les improvisations de ce trio d’un jour se sont ouvertes sur la page des fourmis ailées, puis, une sur planche présentant un étrange jeu d’amour et de crocodile, en passant par des fleurs imaginaires, des œufs surréalistes, des robinets à poissons…

Comment décrire ces images en musique ?
« Ma recherche musicale et ma musique tendent un peu à faire du cinéma pour les aveugles » souffle Jean-Jacques Birgé. On a le plaisir d’assister à une inénarrable envolée de rythmes, de sons et autres onomatopées où toutes sortes d’instruments et d’objets sonores se sont prêtés à une polyphonie, atonale et atemporelle : terra, crécelle, triangle, pomme musicale, hygiaphone, trompette à anche, jusqu’au violon arbalète, instrument hybride et unique… La console de son et les claviers apportent leur rythmes, leur résonances et leur couleurs sous l’oreille avisée et hautement imprévisible de Jean-Jacques Birgé.

L’alto de Maëlle Desbrosses au jeu riche et varié, se laisse même caresser le dos par son archet et chatouiller ses angles. L’embouchure de Fanny Meteier va titiller le pavillon du tuba qui glougloute, soupire, répond, s’afflige, et se laisse explorer de mille façons par la fantaisie de son interprète.

On reste médusé devant leur infatigable curiosité pour les sons et leur exploration. En deux mots, il n’en restera qu’un : encore !

par Vanessa Paparella // Publié le 8 mars 2024

P.-S. : Codex, l'enregistrement du concert sur Bandcamp

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vendredi 8 mars 2024

Fanny Meteier, la Marianne 2024 du jazz

Par Jean-Jacques Birgé, vendredi 8 mars 2024 à 10:28 :: Musique


J'attendais que Citizen Jazz mette en ligne mon article KUNG FU TUBA sur Fanny Meteier que le magazine en ligne m'a commandé, portrait de la jeune tubiste choisie pour représenter la France lors de cet International Women's Day. Comme il serait indélicat de leur couper l'herbe sous le pied en le reproduisant ici avant eux et que nous sommes le 8 mars, je vous renvoie aux sept autres sites européens qui l'ont traduit. Oui, je sais bien qu'un jour sur 366 pour fêter les femmes (cette année est bissextile), c'est un peu has been (là, pas très bissex). Mon texte est donc aussi en français sur JazzMania (Belgique) et traduit dans six autres langues sur Jazz'halo (Belgique), London Jazz News (Grande-Bretagne), Jazz-Fun (Allemagne), Giornale della musica (Italie), In&Out Jazz (Espagne) et Donos Kulturalny (Pologne). Même chose pour les belles photographies d'Aurore Fouchez ou France Paquay qui l'illustrent... Ainsi ai-je opté pour une autre photo que j'aime beaucoup. JJGFREE l'a prise lors du concert que nous avons partagé avec Fanny, Maëlle Desbrosses et moi-m'aime le 18 février dernier au Studio GRRR. L'album, inspiré par l'ouvrage de Luigi Serafini, s'intitule Codex.
Mais Fanny Meteier n'est pas toute seule ce 8 mars. Dans le cadre de ces Giant Steps : Women to the Fore IWD#2024 elle partage l'affiche avec sept autres musiciennes, chacune sélectionnée par son propre pays : les saxophonistes Alejandra Borzyk, Matylda Gerber, Asha Parkinson, la batteuse Evita Polidoro, la chanteuse Miriam Ast et la contrebassiste Alejandra López.


Lorsque vous pourrez lire mon texte, comme les sept autres, sur Citizen Jazz, il sera probablement accompagné d'un petit article rédigé par Vanessa Paparella, dans le même numéro, concernant le concert qui a donné naissance à l'album Codex ! Mais j'ignore si KUNG FU TUBA sera mis en ligne aujourd'hui, jour commémoratif de la portion congrue accordée à la gente féminine ou lundi, jour de parution de chaque nouveau numéro de l'excellent et incontournable magazine. J'ajoute que le nombre de musiciennes jouant d'absolument tous les instruments possibles et imaginables ne fait qu'augmenter de jour en jour, qu'elles y développent des voix personnelles, que la création artistique s'en porte d'autant mieux et que Citizen Jazz n'a pas attendu ce jour pour les glorifier.

P.S.: À 14h pétantes, Citizen Jazz mettait en ligne le dossier Fanny Meteier ! À commencer, par mon article intitulé KUNG FU TUBA. Mais également le compte-rendu de notre Apéro Labo, concert avec l'album Codex à la clef, et mes parties de campagne avec le CD Pique-nique au labo 3...

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jeudi 7 mars 2024

Bernard Vitet trompette dans Jazz magazine

Par Jean-Jacques Birgé, jeudi 7 mars 2024 à 04:19 :: Musique


Une photo de Bernard imberbe que je ne connaissais pas illustre l'article de Stéphane Ollivier dans le numéro spécial TROMPETTE de mars 2024 de Jazz Magazine. Il fait partie du chapitre "Hard-bop, avant-garde, évolution & révolution".

Bernard Vitet
1934-2013
Styliste élégant aux phrases magnifiquement équilibrées mais surtout grand aventurier de la musique sous toutes ses formes, Bernard Vitet, en quête toujours de nouveaux espaces et moyens d’expression, aura été de toutes les métamorphoses du jazz français. Abandonnant peu à peu le bebop des clubs pour le free jazz naissant et les séances de requin de studio (Bardot, Gainsbourg) au profit d’artistes plus marginaux (Brigitte Fontaine, Colette Magny), Vitet participera successivement et simultanément aux hybridations du jazz avec la musique contemporaine (avec Parmegiani, Aperghis et pour son propre compte dans son disque culte “La Guêpe”), la musique improvisée la plus radicale (au sein notamment du Unit de Michel Portal), jusqu’à prendre définitivement la tangente en 1976 en créant avec Jean-Jacques Birgé et Francis Gorgé, Un Drame Musical Instantané. Au sein de ce petit laboratoire ludique ce grand inventeur de forme (et d’instruments !) trouva finalement l’espace idéal où donner libre cours à ses plus géniales fantaisies.

3 DISQUES ESSENTIELS
François Tusques Free Jazz IN SITU, 1965
Bernard Vitet : La Guêpe FUTURA, 1971
Un Drame Musical Instantané : Machiavel GRRR, 1998
3 SOLOS CULTES
Trop d’adrénaline nuit Un Drame Musical Instantané : Trop d’adrénaline nuit GRRR, 1977
No No But It May Be Michel Portal Unit : Châteauvallon 1972 EMARCY 2003
Le silence éternel des espaces infinis m’effraie Un Drame Musical Instantané : Mehr Licht GRRR, on line 2012 / Tchak ! à paraître sur Klanggalerie

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mercredi 6 mars 2024

Gloria Coates, compositrice américaine

Par Jean-Jacques Birgé, mercredi 6 mars 2024 à 04:44 :: Musique


Le DJ saturait les enceintes. Ma tête ressemblait à une citrouille. Je suis descendu dans le jardin rejoindre les fumeurs, quitte à attraper la crève. [...] Au clair de lune, devant les bambous, je rencontre Alex qui partage mon goût pour Ives, Ligeti, Scelsi et quelques autres atypiques... En rupture d'avec ses études classiques il a plongé dans la composition instinctive. Ma démarche aboutit au même point, mais en passant par le terrain ! Dans la conversation il évoque une compositrice américaine dont il est fan et dont je n'ai jamais entendu parler, Gloria Coates.


Née en 1938 dans le Wisconsin, vivant aujourd'hui à Munich [depuis cet article du 9 mai 2012, Gloria Coates y est décédée le 19 août 2023 à 89 ans], elle affectionne particulièrement les glissandi chers à Penderecki (première période) et Xenakis, les timbales venant souvent donner du gras aux cordes. Sa musique n'a pas la froideur des férus de mathématiques. Les sentiments dramatiques flottent au-dessus d'un océan lugubre. Les pièces pour orchestre, à la fois minimalistes et aux textures insaisissables, conviennent particulièrement à sa critique du monde. Gloria Coates joue des dissonances, quarts de ton, canons et palindromes sans ne jamais négliger de susciter de fortes émotions. On pense au Hongrois et à l'Italien évoqués plus haut ainsi qu'aux Américains qu'elle se charge de faire connaître en Allemagne. À son actif, quinze symphonies, neuf quatuors, des pièces vocales et chorales, de la musique électronique, quantité d'autres alliages et les tableaux qui ornent ses pochettes. Je me suis fié à mon interlocuteur et j'ai commandé tout ce qui était disponible. S'annonce un festival Coates en ma demeure.

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