Jean-Jacques Birgé

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lundi 5 décembre 2016

Les banlieusards


Après Body Double, L'année du Dragon, Little Big Man et Panique à Needle Park, l'éditeur Carlotta publie un cinquième coffret Ultra Collector consacré au film relativement méconnu de Joe Dante, The 'Burbs (Les banlieusards). Amateur de DVD ou Blu-Ray pour le confort qu'ils apportent lorsqu'on a la chance de posséder chez soi un grand écran, cinéphile suite à mes études de cinéma, j'apprécie les éditions dont les bonus apportent un réel plus au film. Cette fois nous sommes servis : plus que les cinq études analytiques passionnantes de Frank Lafond, Florent Christol, Vincent Baticle, Christian Lauliac et Fabien Gaffez figurant dans le livre de 200 Pages abondamment illustré, apportant quantité d'informations sur l'histoire, le satanisme, le décalage comique, la musique ou les acteurs, j'ai surtout été intéressé par le témoignage de Joe Dante, la copie de travail, la fin alternative, les archives promotionnelles, etc. qui accompagnent cette comédie fantastique réalisée en 1989 avec le jeune Tom Hanks, Bruce Dern, Carrie Fisher, ici superbement remasterisée (ce qui n'est pas le cas de bande-annonce ci-dessous).


Comme tous les films de Joe Dante depuis Piranhas, Les banlieusards insinue une critique virulente de la vie américaine. Imitant avec quelques années de retard les dégâts produits par et aux États Unis, nous pouvons malgré tout nous y projeter sans difficulté avec nos manies xénophobes et nos réactions muées par l'émotion qui étouffent la réflexion ! Je reconnais l'amicale complicité de nos voisins contre les horribles sorcières du fond de l'allée et certains replis communautaires caricaturaux. Rien d'étonnant à ce que les Américains ne soient pas fans des films de Dante qui leur en envoie chaque fois plein les gencives, comme récemment Braindead, la série de Michele et Robert King... On peut lui préférer Matinée (Panique sur Florida Beach), Innerspace (L'aventure intérieure), Small Soldiers, The Second Civil War ou les Gremlins, mais The 'Burbs a quelques atouts, à commencer par son décor. Car Mayfield Place deviendra quinze ans plus tard Wisteria Lane, la série Desperate Housewives se passant dans la même rue des studios Universal, une autre histoire de banlieusardes avec ses ragots et ses histoires sordides. Le film de Joe Dante est une comédie pleine d'allusions cinéphiliques et de ressorts comiques liés au cinéma d'épouvante, le film parfait d'un samedi soir.

→ Coffret Les banlieusards (The 'Burbs), coffret ultra collector limité à 2.000 exemplaires numérotés en Blu-ray + DVD + 1 DVD de Bonus + Livre, 49€ / le DVD ou Blu-Ray seul, 14€

mercredi 23 novembre 2016

Ratage de Sorrentino sur The Young Pope


Quelle déception lorsque l'on a aimé Les conséquences de l'amour, Il Divo, This Must Be The Place, Youth ou son roman Ils ont tous raison ! Paolo Sorrentino rate son très-long-métrage, The Young Pope, en large et en travers. Après un début prometteur salué à Venise, la série HBO/Canal+ s'enlise dans une interrogation répétitive sur l'existence de Dieu, uniquement motivée par l'abandon de sa maman à un orphelinat, psychanalyse à 100 balles. L'homosexualité des prêtres et l'avortement sont abordés sans aucun intérêt. Jude Law a un masque contrit sur la figure, et malgré une belle collection de trognes on s'ennuie sec jusqu'à la fin du 10e épisode dont l'issue est hélas attendue. Sorrentino se serait-il laissé prendre par la durée comme nombreux talentueux auteurs de courts métrages d'animation passés au long métrage ?
Mieux vaut se tourner vers la génialissime Braindead, série méconnue à ne rater sous aucun prétexte !

mardi 22 novembre 2016

Se projeter dans Milieu


Aujourd'hui, à l'ère de l'anthropocène, quand menace la sixième extinction, quel que soit son âge, la question de l'avenir se pose à chacun et chacune, pas seulement celui de la planète ou de l'humanité, mais plus prosaïquement le sien. When I'm 64, si la tentation de la nature rivalise avec la sociabilité urbaine, on sait que la fusion se rapproche, éternité partagée avec tous les ingrédients de la biomasse. À se projeter, le vertige est le même, que ce soit dans un réalisme scientifique ou une allégorie mystique. Le ciel et la terre nous happent quand la catastrophe se profile...
Chaque année, Monsieur Nishida, un entomologiste, part chercher des papillons dans un des lieux les plus mystérieux du Japon, l'île de Yakushima... Sur cette île les arbres ont 3000 ans, et les hommes honorent les dieux et les déesses des forêts de la montagne... Un typhon est sur le point de s'abattre sur le pays des dieux... Au Japon les éléments naturels coexistent avec les humains et sont considérés comme des dieux... Après le typhon, pour apaiser leur colère, ils suffit de les cueillir sur les branches des arbres et de les écouter...
C'est le thème de Milieu, le film que Damien Faure a tourné, magnétisé par les paysages merveilleux de la planète.


En projetant le DVD sur le mur, je reconnais l'inspiration des films de Hayao Miyazaki, le monde des esprits du Voyage de Chihiro, sauf que la musique de Xavier Roux est autrement plus cohérente et appropriée que les niaiseries à l'eau de rose de Joe Hisaishi. Platon y retrouverait ses petits tant les projections sont nombreuses, depuis certains jardins secs de Kyoto constitués de sable et de pierre qui réfléchissent le paysage au transfert des vues de l'esprit. Dans Milieu le paysage est actif. Il imprègne tous les êtres qui s'y meuvent, et les éléments naturels y mettent leur grain de sel, comme le typhon qui s'approche et que nous attendons. L'osmose est totale.
Damien Faure a le bon goût de n'ajouter aucun commentaire en voix off comme il l'avait fait par contre dans ses trois films (West Papua, Sampari, La colonisation oubliée) sur la résistance du peuple papou contre la colonisation violente de l'Indonésie. Films nécessaires, mais de facture plus classique, plus proches du reportage que du documentaire. Xavier Roux, avec qui j'ai enregistré en duo l'album Court-circuit sous son pseudonyme de Ravi Shardja, a composé toutes les partitions des films de Faure depuis 16 ans, choisissant élégamment les sons musicaux pour qu'ils s'intègrent à ceux de la nature.
En bonus du DVD, les entretiens passionnants avec le spécialiste du paysage Yoshio Nakamura, et surtout le géographe philosophe Augustin Berque, complètent magistralement les magnifiques images de l'île de Yakushima qui nous submergent... J'écoute celui de Berque comme une sorte de mode d'emploi de ce que le film expose.

→ Damien Faure, Milieu, DVD, aaa productions, 14€
→ Damien Faure, West Papua, coffret DVD + CD de Ravi Shardja (Xavier Roux), aaa productions, 53€
→ Lien du film Milieu entier: vimeo.com/cedricjouan/milieu (mot de passe sur simple demande à cedricjouan@gmail.com)
→ Cinéconcert A Page of Madness de T. Kinugasa (Japon,1926) par le groupe GOL avec Ravi Shardja, Jean-Marcel Busson, Samon Takahashi, le 6 décembre 2016 au cinéma Le Méliès, Montreuil, Semaine du Bizarre

mercredi 9 novembre 2016

Braindead, la science-fiction cache une satire politique d'une brûlante actualité : une explication plausible de la victoire de Trump ?


Anne-Gaëlle nous a chaudement recommandé Braindead, série américaine dont la première et unique saison produite par CBS ne semble pas avoir été distribuée en France et ne sera pas reconduite. On peut se demander si, sous couvert de science-fiction, la satire politique ne dérange pas les hautes sphères du pouvoir, car tous les sujets critiques actuels y sont habilement suggérés au fil de 13 épisodes hilarants. Ainsi les manipulations médiatiques tous azimuts, les guerres d'Irak et Syrie justifiées par le mensonge, les lanceurs d'alerte Edward Snowden et Wikileaks, les écoutes téléphoniques, la torture de la CIA, le scandale du gaz de schiste, la démocratie participative et les élections présidentielles sont évoquées dans cette incroyable histoire d'insectes de l'espace dévorant le cerveau des membres du Sénat américain. "Le diable est dans les détails" répètent les héros, semant ici et là les indices d'une résistance interne aux États Unis.


Braindead, écrit par Robert et Michelle King, auteurs de la série The Good Wife, souligne la fausse opposition des Républicains et des Démocrates et la corruption du système. Le récit saignant de science-fiction (il est amusant de noter que ces nouveaux aliens ont Ridley Scott comme producteur exécutif !) est un thriller rondement mené avec des personnages féminins qui ont de l'étoffe. C'est une comédie tordante offrant une explication après tout assez plausible de l'absurdité des décisions de nos dirigeants !
Ce n'est pas aussi déjanté que Preacher, une autre série conseillée par nos amis, inspirée par un comics où un jeune pasteur cherche Dieu, mais à laquelle nous n'avons pas accroché, probablement pour vices de forme : les scènes d'action aussi gore qu'excitées alternent avec de longs dialogues ennuyeux qui plombent les épisodes. Peut-être n'apprécions-nous pas l'humour potache de Seth Rogen et Evan Goldberg ? Nous sortions de Braindead, ce qui nous avait rendus très exigeants !

P.S. : saison 2 (déprogrammée), les insectes venus de l'espace auraient gagné la partie et fait élire Donald Trump !

vendredi 28 octobre 2016

Richard Fleischer, réhabilitation d'un auteur de cinéma


En lisant l'annonce de trois chefs-d’œuvre signés Richard Fleischer publiés par Carlotta, je me suis demandé si ce n'était pas un peu exagéré... Comme je n'évoque que ce qui m'a plu et m'inspire librement, j'avance parfois à reculons, d'autant que de nouveaux disques, films et bouquins s'accumulent sur les étagères. Je m'emploie pourtant rigoureusement à tout regarder, lire et écouter, sans porter ombrage à mon travail, à savoir terminer la composition de nouvelles pièces musicales et les enregistrer dans la foulée avant mon départ pour Rome.
Et pourtant, si, le coffret contient bien trois films formidables de Richard Fleischer qui me sont donnés à découvrir ! J'avais déjà été emballé par L'étrangleur de Boston (lire l'article qui évoquait également l'excellent polar Les inconnus dans la ville / Violent Saturday), mais je pensais que le reste de sa filmographie consistait en honnêtes succès grand public tels 20 000 lieues sous les mers, Les Vikings, Le voyage fantastique ou L'extravagant docteur Dolittle. Il y avait tout de même l'extraordinaire Soleil Vert (Soylent Green), film de science-fiction sombre et prophétique. Mais découvrir coup sur coup Terreur aveugle (See No Evil), L’étrangleur de Rillington Place (10 Rillington Place) et Les flics ne dorment pas la nuit (The New Centurions) permet d'envisager l'Histoire du cinéma sous un autre angle, à savoir que certains auteurs sont passés à l'as pour ne pas avoir été défendus par la critique cinéphile en leur temps. Dans un des bonus, et les trois films en sont largement pourvus, Nicolas Boukhrief analyse parfaitement les mérites de Fleischer et les raisons de leur méconnaissance. Dans un autre, Christophe Gans vante la rigueur de l'auteur, capable de changer de style pour trouver le meilleur angle à chaque histoire. Fleischer a une vision très noire de la société. Pour avoir pensé devenir psychiatre, il en a étudié les recoins les plus sombres. Il ne juge pas, il constate, éventuellement laisse planer une explication sans jamais la formuler, laissant à l'inconscient toute sa complexité. Mais il détaille les mécanismes avec une précision redoutable, échafaudant des scénarios captivants, souvent inspirés de faits-divers authentiques.


Si Fleischer tourne ses films en les situant toujours à une époque donnée, ceux-ci restent d'une actualité confondante, car l'humanité est d'une effroyable constance dans ses us et coutumes, dans sa misère et son absurdité mortifère. Les flics de Los Angeles, quand ils ne dorment pas la nuit, ont les mêmes réflexes que ceux de chez nous aujourd'hui, gardiens de l'ordre humanistes (certains ont évidemment commencé ainsi leur carrière !), crapules corrompues ou dépressifs suicidaires (les mauvais plis sont vite pris !)... Son film, tourné en 1972 (musique de Quincy Jones), mettant en scène un vieux briscard et une jeune recrue, en a inspiré bien d'autres sans posséder sa vision réaliste de l'ambiguïté du rôle de la police. Chez Fleischer la fiction a des allures documentaires.


Ainsi il choisit le cas de L'étrangleur de Rillington Place, toujours 1972, qui avait abouti quelques années auparavant à la suppression de la peine de mort en Angleterre. L'atmosphère est glauque à souhait. Richard Attenborough, qui joue le rôle de l'assassin, et le jeune John Hurt, faux-coupable illettré tout désigné, y sont époustouflants. La caméra à l'épaule se faufile dans cet univers étriqué, sans recul. Le drame psychologique, filmé sur les lieux-mêmes ou reconstitué fidèlement en studio, tient au corps. Le crime est parfaitement huilé. Ça gaze à tous les étages !


Quant au thriller de 1971, Terreur aveugle, il oppose la douceur et la fragilité de l'ingénue jouée par Mia Farrow à l'horreur qu'elle ne peut voir suite à son accident équestre. Fleischer, qui joue ici sans cesse de ressorts hitchcockiens, commence le suspense à partir d'un petit rien lorsqu'elle marche en chaussettes au milieu du verre brisé, retardant sans cesse la découverte sanglante. La suite n'en sera que plus terrible, Fleischer utilisant le hors-champ comme une zone invisible à l'aveugle et un cadre serré nous interdisant d'identifier le meurtrier, si ce n'est par ses bottes. Il se sert de chaque détail en sa possession pour construire un scénario à la fois épuré et virtuose, dont la cécité est l'astucieux moteur. Comme chez tous les grands réalisateurs, chaque plan est pensé en fonction de l'intrigue.

coffret Richard Fleischer, 3 films remasterisés haute définition en Blu-Ray et DVD, bonus a gogo avec les préfaces de Nicolas Saada, les commentaires de Fabrice du Welz, Christophe Gans, Nicolas Boukhrief, et les témoignages de Judy Geeson, Joseph Wambaugh, Stacy Keach, Richard Kalk, Ronald Vidor, Ed. Carlotta, 60€, sortie le 9 novembre 2016

mercredi 26 octobre 2016

Séries ou très longs métrages ?


Petit survol rapide de quelques séries regardées depuis la rentrée de septembre. En collant les affiches les unes à côté des autres, je m'aperçois de la constance des couleurs, chair sinistre et métal bleuté. L'époque n'a pas l'air très folichon ! Que nous réserve l'avenir proche ?
Les vacances m'avaient laissé avaler les trois premières saisons de la série d'espionnage Les Américains (voir article) et l'on peut espérer de nouveaux rebondissements à la prochaine.


Après Game of Thrones, qui terminera son cycle l'été prochain, HBO espère que Westworld saura conquérir les spectateurs, mais rien n'est moins sûr. Inspiré d'un film de science-fiction écrit et réalisé par Michael Crichton en 1973 avec Yul Brynner, ses trois premiers épisodes sont laborieux et répétitifs. La distribution (Anthony Hopkins, Ed Harris, Sidse Babett Knudsen...) et les effets spéciaux ne suffisent pas à dynamiser cette histoire d'androïdes (dans un parc d'attractions à la thématique western, de riches visiteurs peuvent tuer et violer à leur guise, tant que les créatures ne se révoltent pas).


Par contre, les deux premiers épisodes de The Young Pope, 10 heures entièrement réalisées par Paolo Sorrentino, sont pleins de promesses. Canal+ la diffuse cette fois quelques mois avant HBO. Là aussi une belle distribution (Jude Law joue le rôle de Pie XIII, un pape tourmenté qui n'est pas le pantin que les cardinaux pensaient avoir élu, Diane Keaton est la bonne-sœur qui a élevé l'enfant abandonné par ses parents, Cécile de France est la responsable du marketing du Vatican... En fait tous les personnages, particulièrement felliniens, sont formidables), mais un humour ravageur et un ton impertinent qui rappellent Buñuel, avec un soin pour le son et l'image comme dans tous les précédents films du cinéaste.
Les mini-séries comme celle-ci sont moins chronophages, se rapprochant plutôt d'un très long métrage, une seule saison en plusieurs parties préservant les rebondissements du feuilleton. Les journaux du XIXe siècle avaient inauguré le roman-feuilleton, au XXe la télévision s'en était emparée, renouant avec le suspense qu'ils dispensent à la fin de chaque épisode.


C'est évidemment le cas avec The Night Manager, mini-série d'espionnage en 6 épisodes d'après John Le Carré réalisée par Susanne Bier et produite par la BBC. Les cinéastes commencent à comprendre l'intérêt de la télévision au moment où elle ne se regarde plus en tant que telle, mais sur les écrans des ordinateurs, voire projetés sur les grands écrans des home vidéos. Plus classique que certains films de la cinéaste danoise, on y retrouve tout de même son intérêt pour les ONG et des personnages féminins avec de l'étoffe.


Pour le réalisme social on préférera The Night Of, mini-série de 8 épisodes avec John Turturro et Riz Ahmed, encore produite par HBO. Cette étude minutieuse, plus proche de The Wire que d'un thriller, sur le système de justice américain met en scène un croisement habile entre l'innocence et la culpabilité, la prison préventive enfonçant l'innocent dans la criminalité.

mardi 11 octobre 2016

Des films qui sortent de l'ordinaire


Quelques films relativement récents ont retenu mon attention ces dernières semaines.
La presse a beaucoup parlé de Ma loute, comédie française de Bruno Dumont, à qui la veine comique sied superbement, encore plus réussie que Le Ptit Quinquin.
Autre comédie sociale, Que Horas Ela Volta? (Une seconde mère), de la brésilienne Anna Muylaert, remarquablement réalisée et interprétée par Regina Casé. Le titre français laisse présager un nanar pesant alors que c'est frais, pimpant, drôle et particulièrement bien analysé dans les rapports de classes. Je n'ai pas encore vu Mãe Só Há Uma (D'une famille à l'autre) sorti depuis.


Beaucoup plus noire et cinglante, la comédie danoise Men and Chicken d'Anders-Thomas Jensen ne vous laissera pas indemne. C'est aussi délirant que son précédent, Adams Æbler (Les pommes d'Adam), réalisé il y a plus de dix ans et qui était déjà brillant. Sous couvert de fantastique destroy, Jensen soulève la question des manipulations génétiques avec un humour ravageur.


Pour en terminer avec les comédies, Er ist wieder da (Il est de retour) de l'Allemand David Wnendt est tout à fait passionnant. Adolf Hitler se réveille dans un square berlinois de nos jours. Les réactions mitigées de la population interrogent bigrement. Avec un humour que nous pourrions juger parfois un peu lourd de ce côté du Rhin, Wnendt réussit à nous troubler en mêlant fiction et documentaire sans que l'on en saisisse la frontière. Il crée même une structure en abîme, acrobatie cinématographique intelligente où l'imaginaire vient percuter le réel avec une force incroyable. La fin laisse un goût amer...


Le drame hongrois Saul fia (Le fils de Saul) de László Nemes est d'une toute autre nature. Des critiques ont stupidement condamné l'esthétisme de ce récit sur un camp de concentration, mais les évocations suffisent largement sans qu'on ait besoin d'en voir plus, bien au contraire. Je me suis forcé à le regarder pour mieux comprendre ce qui était arrivé à mon grand-père, gazé à Auschwitz. Le film est très fort et mérite de côtoyer Nuit et brouillard, La mémoire meurtrie, voire Shoah sur lequel j'ai déjà émis pas mal de critiques.


Les crimes du colonialisme sont plus insidieux en ce qu'ils ne sont pas toujours conscients, certains pensant parfois apporter la civilisation aux indigènes. Le superbe noir et blanc du film dramatique El Abrazo del Serpiente (L'étreinte du serpent), réalisé en coproduction colombienne, argentine et vénézuélienne par le Colombien Ciro Guerra donne à cette aventure, racontée du point de vue des autochtones, un aspect historique et onirique exceptionnel.


Pour terminer ce rapide passage en revues, j'ai choisi quatre thrillers. Je craignais une redite avec celui du Mexicain Gabriel Ripstein, fils d'Arturo Ripstein, or 600 Miles, film à petit budget avec Tim Roth, offre une approche originale du passage de la frontière avec les États-Unis où les motivations de chacun sont surprenantes, même dans leurs évidences.


Idem avec Room, thriller canado-irlandais de l'Irlandais Lenny Abrahamson, où le thème d'une femme kidnappée et enfermée par un malade me faisait craindre le pire. Là encore, le scénario est beaucoup plus original, nous sortant littéralement de la séquestration pour envisager un autre film. Les rapports de la mère et de son fils y sont particulièrement touchants.


Maryland, film franco-belge d'Alice Winocour, préserve suffisamment l'énigme pour que nous soyons accrochés par le duo de Matthias Schoenaerts et Diane Kruger. Contrairement à beaucoup de films français qui se veulent d'abord explicatifs, contrairement aux films américains (tiens, il n'y en a aucun cette fois dans ma sélection !) qui savent entretenir le suspense, Maryland (c'est le nom de la villa) joue sur la fragilité des personnages qui ne répondent pas aux stéréotypes du genre.


J'ajoute le provoquant et astucieux court-métrage Pornography d'Eric Ledune, passé sur Arte, qui pose bien la question de ce qu'est la pornographie et l'obscénité.


C'est drôle, coquin et surtout particulièrement malin en ce qui concerne la liberté d'expression et l'écart monstrueux qui sépare le sexe de la violence, ce qui est permis ou pas. La bande-annonce ne laisse hélas pas présager de l'évolution du film sur ses 22 minutes ! J'en ai probablement oubliés comme le dernier long métrage de la Danoise Susanne Bier, En chance til (Une seconde chance) ou Rester vertical d'Alain Guiraudie...

mercredi 21 septembre 2016

Mythologies américaines


La force des États Unis est de produire en chacun de nous une mythologie américaine, quel que soit notre point de vue, critique ou fasciné. Le cinéma y participe plus qu'aucun autre médium, fer de lance de son industrie culturelle et soft power qu'appuient même involontairement les résistances internes au pays. À convoquer les années 60 particulièrement riches en contre-culture, les uns s'emballeront pour son cinéma underground avec le film de Gideon Bachmann Underground New York, d'autres plongeront dans la surf culture de The Endless Summer de Bruce Brown. L'une et l'autre ont au moins le mérite d'échapper aux mythologies hollywoodiennes, formatées jusqu'à l'écœurement !



Underground New York répond à la commande de la télévision allemande ZDF en poussant la provocation tant sur le terrain politique que celui du sexe. Diffusé en juin 1968, son titre initial était Protest - Wofür ? (Contester ? Pour quoi ?) ! Il crée la polémique en présentant des cinéastes alors inconnus, des manifestations, des love-in, des spectacles psychédéliques inondés de light-shows, des scènes de nus. Voir Shirley Clarke se faire arrêter alors qu'elle manifeste contre la Guerre du Vietnam avec Allen Ginsberg, Susan Sontag et Tuli Kupferberg a quelque chose d'euphorique ou Andy Warhol vautré sur un divan de la Factory répondre évasivement par oui ou par non aux questions sur la réalité et sa mystification interroge les idées reçues. Grand fan de A Movie, j'ai un petit faible pour les séquences avec Bruce Conner commentant l'extrait de Cosmic Ray et ses manières de danseur dont ses montages sont le reflet. Côté commentaire, Bachmann s'en est justement épargné. Ainsi le livret de 50 pages accompagnant le DVD devient le complément indispensable de sa projection. De même le champ/contrechamp passionnant des bonus Jonas de Bachmann et l'extrait de Walden de Jonas Mekas, le premier montrant le cinéaste lithuanien filmer le second, complètent ce panorama où se retrouvent également Michelangelo Antonioni, Adolfas Mekas, George et Mike Kuchar, Carl Linder, Maurice Amar, Gerd Stern, Jud Yalkut, etc. Pas de hasard, Bachmann est un ancien élève de Hans Richter au City College de New York, condisciple de Clarke et Mekas. Document exceptionnel, Underground New York ravira les amateurs de cinéma expérimental.


Si vous trouvez que le "cinéma non narratif" est trop intello, bien que l'un n'empêche pas l'autre, vous pourrez vous régaler de The Endless Summer, film-culte de la cool attitude, où Bruce Brown suit et commente non-stop les aventures des pionniers Robert August et Mike Hynson surfant sur les vagues du Sénégal, du Ghana, de l'Afrique du Sud, de l'Australie, de la Nouvelle-Zélande, de Tahiti et d'Hawaii avant de retourner en Californie. On plane totalement, même si l'humour de Brown est souvent condescendant pour les "tribus primitives" croisées sur les plages. Le film, en cela, est fondamentalement américain, les surfers à la recherche de la vague parfaite colonisant les flots d'une hauteur typique. Tourné en 1966, devenu un véritable mythe, il fut le premier à s'intéresser à l'univers du surf et les images ont conservé la magie de ces équilibristes au milieu des grands espaces maritimes. La surf culture annonce déjà le fantasmatique sex, drugs and rock 'n roll, les hippies et la libération sexuelle dont le surf n'est qu'une métaphore.

→ Gideon Bachmann, Underground New York, DVD, Re:Voir Video, 19,90€
→ Bruce Brown, The Endless Summer, DVD et Blu-Ray, Carlotta, 20,06€ et coffret collector avec un livre de 176 pages 44,99€, sortie le 17 octobre 2016

vendredi 9 septembre 2016

Les idoles de Marc'O en DVD


Après La femme bourreau et les films maudits de Jean-Denis Bonan, Les Idoles est le second opus d'une collection DVD consacrée à des films rares et/ou inédits du cinéma français des années 60. Le film de Marc'O est un film-culte, parce qu'il a marqué son temps et qu'il était jusqu'ici difficilement visible. Que Bulle Ogier, Jean-Pierre Kalfon et Pierre Clémenti, trois enfants terribles du cinéma indépendant, en tiennent les rôles principaux rend l'affaire encore plus sulfureuse. D'abord pièce à succès représentée au Bilboquet, une ancienne imprimerie de la rue Saint-Benoît transformée en théâtre en 1966, puis à Bobino, le film fait un flop, car il sort en plein milieu des évènements de mai 68 quand toute la jeunesse est dans la rue ! Le sujet avait tout pour lui plaire et son aspect de comédie musicale rock anticipait de peu le succès de Hair. Le show-biz, qui fabrique des vedettes en sacrifiant leur vie privée et au mépris du public, pousse les idoles à se saborder pour ne pas être complices de la société du spectacle.


L'intérêt principal du DVD provient des suppléments qui intègrent le long métrage dans le processus de création mis en œuvre par Marc'O. Le metteur en scène offre aux acteurs une liberté que le théâtre traditionnel muselait. Jacques Rivette reconnaîtra plus tard l'influence de ces improvisations dirigées. Un groupe de rock sur scène excite l'hystérie communicative des jeunes gens qui dansent et chantent comme des fous. C'est peut-être aussi le point faible parce qu'ils braillent plus qu'ils ne chantent, d'autant que le rock français n'a jamais été très convaincant. On reconnaîtra néanmoins le flûtiste Didier Malherbe dans l'orchestre de Stéphane Vilar et Patrick Greussay. Théâtre musical avant la lettre ou opéras rocks, les pièces montées par Marc'O dégagent une énergie incroyable de la part de ses acteurs qui se la jouent autant qu'ils jouent la comédie. Pour avoir moi-même inauguré mon light-show sur Kalfon et Clémenti qui avaient formé ensuite le groupe Crouille Marteau, j'ai pu apprécier leurs délires ravageurs où le quotidien s'imprégnait autant de la fiction que l'inverse. C'est donc en regardant les documents inédits offerts en bonus que l'on prend la dimension du travail de Marc'O et de son influence, que ce soit avec Les Bargasses qui précéda Les idoles ou avec Sensibilité aux conditions initiales datant de 1996 et récemment peinturluré vidéographiquement. Les scènes de transe associent la musique et la danse au jeu théâtral de manière explosive et galvanisante.
Parmi la troupe, car c'est avant tout un jeu d'ensemble, on notera aussi la présence de Valérie Lagrange, Michelle Moretti, Bernadette Lafont, Philippe Bruneau, Henry Chapier, Francis Girod et Daniel Pommereulle. Le monteur des Idoles était Jean Eustache et l'un des assistants à la réalisation André Téchiné ! Les costumes pètent de couleurs psychédéliques, les décors sont hallucinants, mais le jeu appuyé des comédiens m'accroche moins que la folie ambiante qui fait trembler et se tordre les corps au son de la guitare électrique. L'entretien avec Marc'O avait déjà été publié en DVD avec son chef d'œuvre, Closed Vision, un film expérimental de 1954 qui mérite absolument d'être redécouvert.

→ Marc'O, Les idoles, Luna Park Films, DVD, 14,95€, sortie le 4 octobre 2016.

mardi 6 septembre 2016

Les Américains sont des Russes


Le plus étonnant de la série Les Américains qui vient de terminer sa quatrième saison est qu’elle soit produite par la chaîne FX appartenant à la Fox Entertainment Group de Rupert Murdoch, réputée pour son caractère réactionnaire. À l’instar des nombreux films de Hollywood mettant en scène les complots intérieurs et la corruption du système, serait-ce une manière de préserver les apparences de la démocratie, antidote adoucissant contre les dérives d’un État fondé sur le génocide et dont l’économie repose en grande partie sur la guerre et le crime organisé ? Car, après tout, ces forfaits et les manipulations d’opinion qu’ils nécessitent occupent essentiellement le champ de la fiction, comme un exorcisme des dérives que le système pourrait engendrées.


Les Américains, dont le c du titre est remplacé par une faucille et un marteau, est une sorte de mélange entre 24 heures chrono et Desperate Housewives. Un couple marié d’agents soviétiques, construit artificiellement par le KGB, est infiltré dans la vie américaine jusqu’à faire deux enfants qui ignorent tout des activités espionnes de leurs parents. Nous sommes en pleine guerre froide, période Guerre des étoiles de Ronald Reagan. Les États Unis soutiennent les Moudjahidin afghans contre les Soviétiques. La série de quatre saisons de treize épisodes de 46 minutes, qui en comptera six jusqu'en 2018, mêle l’action musclée aux désordres psychologiques de cette famille hors-normes avec des incartades de la vie banlieusarde, d’autant qu’un des principaux agents du FBI chargé de les démasquer habite dans la pavillon en face du leur !
Keri Russell et Matthew Rhys ont des rôles en or puisqu’à transformations, obligés de se grimer sans cesse pour jouer quantité de personnages avec perruques et maquillage. Noah Emmerich joue l’agent Beeman, lui-même en proie aux tentations sexuelles, arme préférée des espions de tous bords.


Le thriller, basé comme tout bon récit d’espionnage sur l’infiltration et le retournement, génère un suspense tous azimuts, opposant l’antenne de KGB domiciliée à l’Ambassade soviétique et le FBI. Le plus étonnant est donc que le couple de faux Américains, voire même une partie de sa hiérarchie, est plus sympathique que la section du FBI qui les traque, même si les uns comme les autres ne font pas dans le sentiment, mais assassinent à qui mieux mieux ceux qui les dérangent. On peut juste trouver étrange, voire énervante, la relation parentale que le couple entretient avec leur fille aînée, attirée par les voies du Seigneur, même si le pasteur est un militant anti-nucléaire. Ils choisissent l’autorité plutôt que la pédagogie pour tenter d’empêcher leur fille de prendre ce chemin. Ce conflit de générations incarné par les filles se retrouve dans presque toutes les séries américaines, de Six Feet Under à Mad Men.
Créée par Joe Weisberg, ancien gradé de la CIA, la série s’appuie sur des évènements réels, en particulier l’affaire des Illegals de 2010, mais il a préféré situer l’action dans les années 80, probablement pour ne pas rendre trop parano son public. L’auteur prétend également se focaliser sur le mariage en général, les relations internationales n’étant qu’une allégorie des relations humaines. Cette vision cynique, méfiante et brutale de l’humanité fait froid dans le dos. Ce sont bien Les Américains !

Les Américains, 4 saisons plus deux à venir, DVD et Canal +

jeudi 28 juillet 2016

Phase IV, étonnant film de science-fiction de Saul Bass


Régulièrement je tombe sur un film que j'avais laissé de côté pour de sombres raisons et je me dis que mes craintes sont souvent mal placées. Lors des dernières semaines je ne compte plus ceux que nous avons abandonnés après dix minutes de projection. Nous avions déjà écarté ceux que Jonathan ou moi avions déjà vus. Nous sommes patients, mais dès le début nous arrivons à anticiper ce qui se passera ensuite. Le moindre doute nous fait prolonger la tentative à une vingtaine de minutes, mais c'est rare que cela s'arrange au delà ! Certaines affiches qui ne correspondent pas du tout aux films nous dissuadent de les regarder, certains titres ne sont pas plus excitants. J'ai classé par genre les films que je voudrais voir un de ces jours, mais ce n'est jamais le bon. Ainsi, en désespoir de cause, j'ai lancé le film de science-fiction Phase IV sans savoir ce que c'était.


Pas de générique, de grosses fourmis en très gros plan, on a failli passer le début en accéléré... Vous pouvez voir ce qu'on a vu ci-dessus ou regarder l'intégralité en streaming. Et puis le film a commencé, c'était vraiment très original, un film qui ne ressemblait à aucun autre, peu de comédiens, du moins parmi les humains, presque un huis-clos, des effets sonores épatants donnant tout leur sens aux images... Film de science-fiction qui tire sur l'épouvante parce que le thriller tient en haleine, des scènes incroyables... La bande-annonce ci-dessous en dit peut-être trop et risque de gâcher le plaisir de la découverte. J'ai évité de reproduire l'affiche qui est nulle et donne une interprétation tendancieuse de l'énigme. À la fin nous avons découvert qu'il s'agissait du seul long métrage signé Saul Bass, ça alors !


Saul Bass est le graphiste de génie qui a réalisé les génériques de Vertigo, La mort aux trousses, Psychose, Anatomie d'un meurtre, West Side Story... affichiste d'Otto Preminger, Alfred Hitchcock, Billy Wilder, Stanley Kubrick, Steven Spielberg... auteur de logos pour la pub, etc. Le film n'avait eu aucun succès. Cela arrive souvent avec des chefs d'œuvre atypiques. En plus, les sons électroniques ont été fabriqués par David Vorhaus qui était à la tête du groupe White Noise que j'adorais, et les autres effets musicaux par Stomu Yamashta dont les percussions m'avaient emballé en 1971... Mais surtout le film soulève des questions angoissantes qui sont toujours d'actualité depuis 1974.

jeudi 14 juillet 2016

Bill Morrison, golem cinématographique du XXIe siècle


Le cinéaste Bill Morrison est devenu le maître du found footage en compilant des archives exhumées ici et là. Leur détérioration au fil du temps exhale une beauté incroyable, sublimant la mort couchée sur la pellicule. Rien d'étonnant à ce que son film Spark of Being soit une adaptation du Frankenstein de Mary Shelley. L'œuvre de Morrison, forte de cinq longs métrages et d'une quinzaine de courts, est une sorte de Golem cinématographique, "incapable de parole et dépourvu de libre-arbitre, façonné afin d’assister ou défendre son créateur."


Pour ses films muets, Morrison commande des partitions originales à des compositeurs talentueux, souvent new-yorkais. Le trompettiste Dave Douglas a écrit celle de Spark of Being et le guitariste Bill Frisell est l'auteur de la bande-son du plus ancien présent dans le coffret, The Film of Her puis de The Great Flood et The Mesmerist. Michael Gordon, responsable de celle de son film le plus connu, Decasia, mais aussi de All Vows, Who by Water, Light is Calling et avec David Lang de The Highwater Trilogy, celui-ci signant seul celle de Back to the Soil ainsi que Julia Wolfe celle de Porch, sont les trois cofondateurs du collectif Bang on a Can. Morrison a utilisé également des partitions, originales ou empruntées, de John Adams, Maya Beiser, Gavin Bryars, Richard Einhorn, Erik Friedlander, Philip Glass, Henryk Górecki, Michael Harrison, Ted Hearne, Vijay Iyer, Jóhann Jóhannsson, David T. Little, Michael Montes, Harry Partch, Steve Reich, Todd Reynolds, Aleksandra Vrebalov et du Kronos Quartet. Bien que plus plastiques que dramatiques, les œuvres de Morrison font penser à A Movie de Bruce Conner qu'accompagne Les Pins de Rome de Respighi ou aux films de Artavazd Pelechian, et à Stan Brakhage aussi forcément.


Light is Calling (2004), monté à partir d'une copie détériorée de The Bells (1926) et suivant la musique de Gordon, est présentée comme une méditation sur les collisions aléatoires. Le site de Bill Morrison délivre quantité d'informations, sur les films, les compositeurs, les chefs d'orchestre et sur les conditions de projection. Car parfois ce sont de grosses installations comme Decasia live qui réclame trois écrans et un orchestre symphonique de 55 musiciens...


Bill Morrison se focalise sur le support (The Film of Her, 1996). L'instabilité du film flamme, du celluloïd, s'oppose à la fragilité du numérique. L'infiniment petit ou le cosmos sont autant d'effets de matière. La foule est confrontée aux désastres naturels comme à ceux des hommes, submergés par les flots (The Great Flood, 2013) ou la guerre (Beyond Zero: 1914-1918, 2014). Le sud des États Unis est un bon terreau pour évoquer les tensions. Le rythme de la musique renvoie à celui de la route et du rail (Outerborough, 2005), sur Terre comme sur mer, mais toujours avec le temps en perspective. Il crée l'hypnose (The Mesmerist, 2003). La société de Morrison s'appelle d'ailleurs Hypnotic Pictures. Il incarne le démiurge qui peut redonner la vie aux êtres et aux choses. Mais son rêve de faire revivre ceux qu'il a découverts et révélés est à l'image d'Oliver Sacks tentant de réveiller les léthargiques gelés dans la passé (Re:Awakenings, 2013). Ce n'est qu'une illusion. Cet ancien peintre et animateur rend ainsi un formidable hommage à Georges Méliès, "l'inventeur du spectacle cinématographique".

Bill Morrison: Selected Works 1996-2014, coffret 3 Blu-Ray, BFI, avec un beau livret de 56 pages, 44,08€

mardi 5 juillet 2016

La banalité du mal en DVD


J'avais vu les deux films séparément, mais regarder le film de fiction Hannah Arendt après la projection du documentaire Un spécialiste lui donne tout son sens.
Eyal Sivan et Rony Brauman ont réalisé en 1999 un montage intelligent des archives tournées par Leo Hurwitz en 1961 lors du procès du criminel nazi Adolf Eichmann. Ils se sont inspirés du livre controversé de Hannah Arendt, Eichmann à Jérusalem. Rapport sur la banalité du mal, insistant sur l'obéissance aux ordres d'un fonctionnaire minable plutôt qu'en en faisant un monstre comme d'autres l'auraient souhaité. Eichmann, responsable de la déportation de millions de juifs, mais également de tziganes et d'opposants au régime nazi, était sous les ordres du Général Müller comme de Himmler et Heidrich, vouant à Hitler une admiration sans bornes. Le procès, retransmis alors à la télévision, fut filmé à plusieurs caméras, avec des cadres soignés, l'accusation se réfléchissant par exemple dans la cage de verre où est enfermé l'ancien nazi. La responsabilité des conseils juifs est moins appuyée que dans le film de Margarethe von Trotta qui reprend l'analyse de Hanna Arendt. L'excellence du son, entre les mains de Nicolas Becker, Jean-Michel Levy, Krishna Levy, Yves Robert et Béatrice Thiriet souligne les ellipses et fictionnalise le documentaire pour en faire un opéra tragique dont l'humanité est le principal protagoniste.


Pour son film réalisé en 2013, Margarethe von Trotta ne choisit pas forcément les mêmes extraits d'archives du procès. J'ai l'impression qu'ils sont encore plus impressionnants. Barbara Sukowa est formidable dans le rôle de cette femme qui pense par elle-même, quitte à se mettre à dos les mauvaises consciences de la communauté juive. En cette période du glissement droitier où les immigrés sont parqués dans des camps, refoulés dans leurs pays d'origine où ils risquent la mort, où des murs construisent de nouveaux apartheids, où les flics obéissent aveuglément aux ordres d'une hiérarchie démente, le film est d'autant plus salutaire. De même que Eichmann est basiquement stupide, les citoyens qui ne se révoltent pas ne sont-ils tout simplement pas incapables de penser ? La lâcheté semble un facteur commun aux uns comme aux autres. Il faut du courage pour prendre à contrepied les ordres donnés et anticiper l'horreur qui ne peut qu'aboutir à de nouvelles culpabilités générant à leur tour des dérives catastrophiques. En reprochant leur attitude passive à leurs aînés les enfants d'Israël ont reproduit des schémas criminels qu'aucune honte ne saura effacer. Quelle nouvelle catastrophe en sortira ? Les victimes continueront-elles à se substituer à leurs bourreaux ? Jusqu'où sommes-nous complices des atrocités qu'engendre l'exploitation de l'homme par l'homme ? Hannah Arendt décrit parfaitement la banalité du mal.

Autour de Hannah Arendt, coffret Collector 2 DVD + le livre de Arendt, Blaq out, 25€

lundi 27 juin 2016

The Hidden, film-culte méconnu


Comme je suis toujours à la recherche de films qui sortent de l'ordinaire, Jonathan Buchsbaum me suggère The Hidden (1987) en avançant que c'est drôle et qu'on peut le considérer comme "une sorte de" thriller... Le film de Jack Sholder avait reçu, entre autres, le Grand Prix du Festival international du film fantastique d'Avoriaz l'année suivante, mais j'imagine que la renommée de ce genre de film atteint essentiellement les amateurs de ces œuvres de niche. On notera la présence du jeune Kyle MacLachlan découvert dans les films de David Lynch, aussi froid que le sera plus tard l'agent spécial Dale Cooper dans la série Twin Peaks. Pourtant The Hidden rappelle plutôt de Videodrome ou The Naked Lunch de David Cronenberg.


La bande-annonce, comme ma chronique, ne doivent jamais déflorer le film. C'est pour moi toujours un problème de ne rien raconter tout en incitant mes lecteurs à regarder tel ou tel. La surprise doit rester intacte. De même j'évite de lire quoi que ce soit sur un film avant de le projeter. Alors comment se faire une idée et choisir ? Par une somme d'indices, de rapprochements, de termes somme toute assez flous, mais qui précisent la raison de mon enthousiasme. Lorsque l'on accorde sa confiance à un journaliste ou un ami dont les goûts sont proches des siens on arrive à avancer au milieu de la jungle des films anciens et récents à notre portée. Vous trouverez peut-être un peu difficilement ce petit bijou fantaisie, paru en DVD il y a une dizaine d'années, mais il nous a fait passer une bonne soirée.

jeudi 23 juin 2016

Adam Curtis, documentariste à l'œuvre contre les idées reçues


Si vous n'avez jamais entendu parler du documentariste britannique Adam Curtis (plus fourni, mais en anglais dans le texte) cela n'a probablement rien de surprenant et il n'est pas trop tard pour rattraper le temps perdu à regarder des reportages plan-plan comme il y en a tant. Adam Curtis réalise des films presque exclusivement pour la BBC, or le monde du cinéma méprise royalement ce médium. De plus il est anglais et il est difficile de trouver ses films sous-titrés. Deux raisons pour passer à côté d'un incontournable pourfendeur de l'establishment dont les recherches formelles de ses derniers films sont à l'égal des sujets traités. On connaît la réputation des Britanniques en matière de documentaires et cette fois vous serez servi !


Contrairement à ses autres documentaires qui ont recueilli quantité de prix dont de nombreux BAFTA, It felt like a kiss (2009) n'est pas un film en soi puisqu'il fait partie d'un spectacle multimédia de la compagnie Punchdrunk avec la partition du musicien de Blur et Gorillaz, Damon Albarn, interprétée par le Kronos Quartet, mais c'est un des plus drôles, accessible même si l'on ne comprend pas bien la langue de Shakespeare ou de Lennon-McCartney. Dans ses films les plus récents Adam Curtis utilise des images d'archives qui ne semblent pas toujours en rapport avec son sujet, mais qui sous-tendent un discours intelligent et sensible touchant souvent à l'inconscient. La manipulation de l'opinion dans les pays démocratiques est justement le thème de The Century of the Self (2002) ou comment le neveu de Sigmund Freud inventa les relations publiques et la société de consommation en adaptant les théories de son oncle, suivi par Anna, la fille coincée du psychanalyste viennois.


Dans tous ses films, souvent assez longs et découpés en trois ou quatre parties d'une heure, on découvre des séquences incroyables d'images vues nulle part ailleurs. La fiction et le réel se mêlent souvent pour servir son propos. Le travail de montage et de sonorisation est remarquable. Dans ses films les plus récents les cartons rappellent explicitement les travaux de Jean-Luc Godard, mais ailleurs la voix de Curtis accompagne souvent ses montages insolents ; les images et les sons ne sont pas des redondances du commentaire, ils jouent de transversalités en s'inspirant de Brecht et Freud. Pandora's Box (1992) aborde les dangers de la rationalité technocratique et politicienne, The Living Dead (1995) les manipulations de l'Histoire nationale et de la mémoire individuelle, The Power of Nightmares (2004) le parallèle entre l'islamisme du monde arabe et le néo-conservatisme des États Unis avec leur intérêt mutuel de créer un ennemi pour attirer notre sympathie, The Trap - What Happened to our Dream of Freedom (2004) le concept simpliste de liberté sur des êtres devenus robotiques à force de bourrage de crâne, All Watched Over By Machines of Loving Grace (2007) la faillite des ordinateurs à nous rendre la vie meilleure, Bitter Lake (2015) l'alliance perverse de l'Arabie Saoudite avec les États Unis créant un monstre sous prétexte de lutter contre le Mal, etc.
J'ai découvert Adam Curtis par hasard en prenant It felt Like A Kiss pour un film de Bill Morrison dont j'ai acquis depuis le triple coffret Blu-Ray. Le style était très différent, mais l'un et l'autre se servent exclusivement d'images d'archives avec des partitions sonores savamment travaillées. Je pensais plutôt à une sorte d'actualisation du génial A Movie (1958) de Bruce Conner.


Il existe quantité de petits films et la plupart des longs de Curtis sur Vimeo ou YouTube, tous en anglais non sous-titrés, mais relativement compréhensibles selon vos connaissances en anglais. J'en ai reproduits deux ci-dessus, commencez par ceux-là, les plus anciens sont de facture plus classique, mais très au dessus de ce que l'on nous montre la plupart du temps.

vendredi 17 juin 2016

Les quatre saisons de Marcel Hanoun


Re:Voir publie Les saisons de Marcel Hanoun en un coffret de 4 DVD. Cinéaste expérimental, contemporain de la Nouvelle Vague et méconnu du grand public, Hanoun tourne dans un no man's land entre Godard et Robbe-Grillet, Bresson et Straub. Avec les premiers il ne partage pourtant nulle perversité, mais des seconds il possède la rigueur. Même si la bande-son et quelques photos se réfèrent à l'actualité, la poésie de L'été (1968) est résolument mâle, avec à la clef nudité, gros plans ou gambadage de fille dans la campagne.


Pour L'hiver (1969) Michael Lonsdale joue le rôle du réalisateur, qu'il feigne de filmer de la peinture ou des personnages féminins dans Bruges désert. Hanoun met ici plus explicitement son discours de la méthode en abyme. S'appuyant sur la rupture entre l'image et le son, la voix off et la musique classique envahissent le hors-champ. Des coups de zoom insistent sur l'importance du montage. La couleur fait son apparition, s'intercalant avec le noir et blanc. Cette dualité est à l'image des rapports homme-femme de ce second volet, mais le mâle ne peut s'empêcher de donner des leçons. Les femmes sont laissées pour compte et fleurette, des comédiennes. Ce n'est pas pire que chez la plupart de ses congénères, mais ici, comme chez Godard, les cassures permettent de voir et d'entendre, chose devenue rare au cinéma. J'ignore qui a influencé l'autre, mais il y a trop de coïncidences. Les langues et les pistes se superposent. Les acteurs, ayant souvent la bouche fermée tandis qu'off ils sont bavards, nous obligent à nous identifier à leurs pensées plutôt qu'à leurs actes.


Chaque nouvelle saison complexifie le dispositif, précisant le style de Marcel Hanoun sans se soucier du genre. La fiction y pénètre avec Le printemps (1970). Lonsdale encore, rare comédien à oser l'impossible en marge de films plus commerciaux. La fuite remplace la promenade, scandée en panoramiques heurtés. Le documentaire fait une apparition saignante. Montage parallèle de scènes de passage. De rites ? Les voix s'effacent devant la nature. Les règles d'une petite fille marquent définitivement l'arrivée du printemps.


Face à la caméra de Hanoun, Lonsdale, toujours, regarde son film dont on entend que la musique de Mahler. Ainsi commence L'automne (1972) avant que l'image ne disparaisse pendant un coup de téléphone. Tamia joue le rôle de la chef monteuse. Elle tient tête au réalisateur comme à son amant. Les mœurs ont évolué depuis quatre ans. (Je note avec amusement que si Tamia chantera avec notre Drame Musical Instantané après avoir été du Unit de Michel Portal, Lonsdale créera plus tard notre spectacle Buzzati). Les deux personnages évoquant le film virtuel qu'ils montent incarnent en fait le discours de Hanoun. Le contrechamp invisible devient le moteur de l'action. Je note encore que Tamia a des accents de Brigitte Bardot comme certaines phrases off des acteurs sonnent étonnamment godardiennes. La sexualité et la politique sont mises sur le grill, comme l'action et la parole révèlent notre impuissance. Avec cette dernière saison, Hanoun est entré dans le réel, celui de la fiction assumée.



→ Marcel Hanoun, Les saisons, coffret Re:Voir 4 DVD et un livre de 100 pages avec articles signés par Jean-Louis Bory, Dominique Noguez, Emeric de Lastens, André Cornand & Abraham Segal, Paola Melis, 49,99€

mardi 19 avril 2016

Meet The Patels, une comédie documentaire


Les bonnes comédies sont rares. Les bons documentaires aussi. Les bonnes comédies documentaires, n'en parlons pas. Ou plutôt si, parlons de Meet the Patels, Prix du Public dans différents festivals dont celui de Los Angeles. Les parents de Ravi V. Patel, il a bientôt trente ans, souhaitent qu'il se marie, mais à une Patel (les Patel en Inde ce sont les Smith aux USA), du moins à une indienne, hindoue comme lui. Sa sœur, Geeta V. Patel tient la caméra. Le film, tourné volontairement chaotiquement, bénéficie d'un montage extrêmement soigné et d'une mise en scène astucieuse où nombreux passages sont en dessins animés. Le personnage de Ravi rappelle Woody Allen ou Albert Brooks, version indienne, sauf qu'il a grandi à Los Angeles. L'humour, omniprésent, n'efface pas les contradictions culturelles et communautaires, bien au contraire, il leur tord le cou avec une sensibilité bienveillante.


Les coutumes doivent faire face aux migrations. Les ségrégations cèdent devant les mœurs du pays d'accueil. La famille passe à la question. C'est un peu The Wedding Banquet (Salé Sucré) d'Ang Lee, façon Indian cooking avec l'ambiguïté d'un documentaire extrêmement dirigé. Portrait croisé de l'Inde et des USA, des nouvelles générations qui tentent de préserver leur culture en adoptant celle de leur nouveau pays, Meet the Patels soulève les questions de la fidélité et du mensonge, du désir et de son inaccessibilité, de la famille et de son affranchissement.

Disponible sur Netflix avec sous-titres français. Pas de sortie prévue en salles ? On se demande comment les distributeurs font leur travail...

mercredi 13 avril 2016

Les plus belles années de notre vie / La septième victime


J'ai groupé ces deux films parce que l'un et l'autre m'avaient échappé alors que Jonathan Rosenbaum ne cesse de souligner leur intérêt. Comme je suis avec assiduité son blog qui rassemble critiques anciennes et récentes j'ai fini par regarder The Best Years of Our Lives (Les plus belles années de notre vie) de William Wyler (1946) et The Seventh Victim (La septième victime) de Mark Robson (1943). Affublé de ses sept Oscars le premier reçut un succès populaire phénoménal, classé parmi les 100 meilleurs films américains par l'American Film Institute tandis que le second est passé plutôt inaperçu bien que Rosenbaum le classe 27ème de son Panthéon et le seul film d'épouvante de ses cent préférés. Les deux sous-entendent des mœurs ou des idées plutôt rares dans le cinéma américain des années 40


The Best Years of Our Lives (Les plus belles années de notre vie) raconte la difficulté de se réinsérer dans la société civile pour trois anciens combattants du Pacifique. Ce thème sera plus tard souvent traité avec les vétérans du Vietnam, mais Rosenbaum l'encense plus qu'aucun autre. À côté du travail de Gregg Toland sur la profondeur de champ, les trois heures du film soulignent l'humanité profonde des personnages servie par un jeu d'acteurs formidable, en particulier Dana Andrews et Harold Russell, comédien non-professionnel handicapé des deux mains. Ici et là le doute s'installe sur l'American Way of Life et des idées pacifiques pointent à une époque où l'on n'y risquait pas encore d'être accusé de communisme.


J'imagine que c'est l'incroyable mélange de genres qui plaît à Rosenbaum dans The Seventh Victim (La septième victime). Enquête policière, film d'épouvante, complot ésotérique, ce court long métrage de 71 minutes effleure également l'homosexualité féminine. Dans certaines scènes Jacques Tourneur n'est pas loin. Le scénario auquel beaucoup de spectateurs n'ont rien compris ressemble à un collage où la psychanalyse met le pied dans la porte...


S'il y en avait sept et un secret derrière on pourrait aussi penser au Barbe-Bleue de Lang retourné comme une chaussette. Même le titre nous oblige à compter sur nos doigts à un moment inattendu. Allant de surprise en surprise, d'énigme en suggestion, l'asile d'aliénés où nous évoluons est une ouverture vers le rêve, évocation cinématographique de nos interrogations métaphysiques.

N.B.: Les deux films sont trouvables en DVD. La septième victime est aussi sur Vimeo, mais sans sous-titres.

dimanche 3 avril 2016

Jonathan Rosenbaum sur "Baiser d'encre"


Le plus exquis de "Baiser d'encre", le nouveau film de Françoise Romand (DVD multizone disponible sur romand.org avec bonus et sous-titres anglais, français et espagnols), est comment le travail et la vie d’Ella et Pitr, un couple d’artistes hippie très inspiré qui «peint leur amour et leurs fantasmes sur les murs du monde" (leur propre site web ellapitr.com est là pour le prouver, vous pouvez en apprécier les effets), ont poussé un autre couple - Romand elle-même à l’image et Jean-Jacques Birgé au son - à développer une quantité égale de fantaisie critique pour nous les faire connaître. Le site web de Romand présente la bande-annonce ainsi qu'un lien vers un livre éponyme du couple filmé que je n'ai pas encore vu.
Jonathan Rosenbaum, Cinema Scope #66, Mars 2016
Global Discoveries on DVD: Niche Market Refugees

Depuis six ans je n'écris en général plus le week-end, mais si c'est pour laisser la parole à Jonathan Rosenbaum dont le blog est le seul consacré au cinéma que je suis régulièrement, alors... D'autant qu'il a l'oreille de me citer pour la partition sonore aux petits oignons que j'ai composée pour Françoise avec le soutien de la chanteuse danoise Birgitte Lyregaard, du multi-instrumentiste Sacha Gattino, du saxophoniste Antonin-Tri Hoang, du violoncelliste Vincent Segal, de l'ici-contrebassiste Hélène Sage et du batteur Edward Perraud ! Je n'aurais jamais assumé ce rôle où les bruits, la musique et les voix participent d'un même ensemble sans Aimé Agnel et Michel Fano qui m'apprirent à écouter lors de mes études à l'Idhec au début des années 70. Pendant que j'y suis je salue la mémoire de Frank Zappa qui déclencha ma passion pour la musique, Jean-André Fieschi qui me donna les moyens de continuer à apprendre jusqu'à aujourd'hui et Bernard Vitet qui, entre autres, m'enseigna le silence... On dirait que je répète un discours à une remise de prix, mais si cela se produisait encore, je crois que mon intervention serait autrement plus politique, en particulier pour affirmer que sans le statut d'intermittent je n'aurais jamais eu la liberté de faire ce qui me chante en toute indépendance.

vendredi 25 mars 2016

Mai 68 et son cinéma


Sur FaceBook Jean-Noël Lafargue (né en 1968 !) écrit : "On dit beaucoup que Mai 1968 n'a rien apporté, mais je prends plaisir à redécouvrir ou découvrir le cinéma post-soixante-huitard qui, au delà du plaisir manifeste à montrer des gens à poil, me semble plus subversif que tout ce qui se fait depuis, et en même temps assez jubilatoire. Il faut que je voie tout Joël Séria, tout Alain Jessua, tout Bertrand Blier (celui que je connais le mieux sans doute)... Et qui d'autre ? Vous avez des conseils ?"
Il faut d'abord rappeler que mai 68 fut une révolution de mœurs incroyable. Nous sommes passés de la blouse grise à l'explosion psychédélique du flower power, les collèges et lycées sont devenus mixtes, l'imagination a été portée réellement au pouvoir (il n'y a qu'à constater les films qui sortaient chaque semaine, les disques que les jeunes consomment aujourd'hui de revival en revival, etc.), la liberté sexuelle ne nous a pas rendu plus heureux mais on en a tout de même drôlement profité (arrivée de la pilule, droit à l'avortement, féminisme, revendication des homosexuels...), la jeunesse s'est politisée (on pensait alors que tout était politique et cela continue), des liens ont été tissés entre étudiants et ouvriers, etc. Les critiques portées contre mai 68 sont totalement déplacées, c'est la réaction contre mai 68 qui a déclenché toutes les déviances absurdes. Les conservateurs n'ont eu de cesse de démonter le mythe d'une génération qui avait cru naïvement pouvoir changer le monde, que ce soit dans la paix et l'amour ou dans la révolution permanente.


Mais revenons à la question de Jean-No à qui j'ai cité dans le désordre complet Sweet Movie de Dušan Makavejev, Bof et Themroc de Faraldo, les films de Pierre Clémenti, Les idoles de Marc'O (même si de 1967, j'aurais pu évoquer aussi Les petites marguerites de Věra Chytilová sorti en 1966 et les premiers Forman), L'an 01 de Doillon, Gébé, Resnais et Rouch, les films de Buñuel, Ferreri, Pasolini, Godard, Rivette, Varda de cette époque, Solo et L'albatros de Mocky, Anatomie d'un rapport et Genèse d'un repas de Moullet, La Femme-bourreau de Bonan, L'acrobate de Pollet, La fiancée du pirate de Nelly Kaplan, More de Schroeder, mais aussi Skidoo de Preminger, Head de Rafaelson, Zabriskie Point d'Antonioni, El Topo et La montagne sacrée de Jodorowsky et Easy Rider. J'en oublie des quantités comme les films lysergiques réalisés par les Laboratoires Sandoz !
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